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Italienische Renaissance

Italienische Renaissance

Gegen Ende des 14. Jahrhunderts n. Chr. erklärte eine Handvoll italienischer Denker, dass sie in einem neuen Zeitalter lebten. Das barbarische, unaufgeklärte „Mittelalter“ sei vorbei, hieß es; das neue Zeitalter wäre eine „rinascità“ („Wiedergeburt“) des Lernens und der Literatur, der Kunst und der Kultur. Dies war die Geburtsstunde der Zeit, die heute als Renaissance bekannt ist. Seit Jahrhunderten sind sich die Gelehrten einig, dass die italienische Renaissance (ein anderes Wort für „Wiedergeburt“) genau so geschah: dass zwischen dem 14. alt, rückständig. Tatsächlich war die Renaissance (in Italien und in anderen Teilen Europas) erheblich komplizierter: Zum einen unterschied sich die Epoche, die wir Renaissance nennen, in vielerlei Hinsicht nicht so sehr von der Zeit davor. Viele der wissenschaftlichen, künstlerischen und kulturellen Errungenschaften der sogenannten Renaissance teilen jedoch gemeinsame Themen, insbesondere die humanistische Überzeugung, dass der Mensch das Zentrum seines eigenen Universums sei.

Die italienische Renaissance im Kontext

Das Italien des 15. Jahrhunderts war anders als jeder andere Ort in Europa. Es war in unabhängige Stadtstaaten unterteilt, die jeweils eine andere Regierungsform hatten. Florenz, wo die italienische Renaissance begann, war eine unabhängige Republik. Sie war auch Banken- und Handelshauptstadt und nach London und Konstantinopel die drittgrößte Stadt Europas. Wohlhabende Florentiner stellten ihr Geld und ihre Macht zur Schau, indem sie Mäzene oder Unterstützer von Künstlern und Intellektuellen wurden. So wurde die Stadt zum kulturellen Zentrum Europas und der Renaissance.

Der neue Humanismus: Eckpfeiler der Renaissance

Dank der Schirmherrschaft dieser wohlhabenden Eliten konnten Schriftsteller und Denker der Renaissance ihre Tage damit verbringen. Anstatt sich gewöhnlichen Arbeiten oder der Askese des Klosters zu widmen, konnten sie weltliche Freuden genießen. Sie reisten durch Italien, studierten antike Ruinen und entdeckten griechische und römische Texte wieder.

Für Gelehrte und Philosophen der Renaissance hielten diese klassischen Quellen aus dem antiken Griechenland und dem antiken Rom große Weisheit. Ihr Säkularismus, ihre Wertschätzung der körperlichen Schönheit und insbesondere ihre Betonung der Errungenschaften und des Ausdrucks des Menschen bildeten das beherrschende intellektuelle Prinzip der italienischen Renaissance. Diese Philosophie ist als „Humanismus“ bekannt.

Wissenschaft und Technologie der Renaissance

Der Humanismus ermutigte die Menschen, neugierig zu sein und die erhaltene Weisheit (insbesondere die der mittelalterlichen Kirche) zu hinterfragen. Es ermutigte die Menschen auch, Experimente und Beobachtungen einzusetzen, um irdische Probleme zu lösen. Infolgedessen konzentrierten sich viele Intellektuelle der Renaissance darauf, die Gesetze der Natur und der physischen Welt zu definieren und zu verstehen. Der Renaissance-Künstler Leonardo Da Vinci beispielsweise erstellte detaillierte wissenschaftliche „Studien“ von Objekten, die von Flugmaschinen bis hin zu U-Booten reichten. Er schuf auch bahnbrechende Studien der menschlichen Anatomie. Ebenso erforschte der Naturwissenschaftler und Mathematiker Galileo Galilei ein Naturgesetz nach dem anderen. Indem er beispielsweise verschieden große Kanonenkugeln von der Spitze eines Gebäudes fallen ließ, bewies er, dass alle Objekte mit der gleichen Beschleunigung fallen. Er baute auch ein leistungsstarkes Teleskop und zeigte damit, dass sich die Erde und andere Planeten um die Sonne drehen und nicht, wie religiöse Autoritäten argumentierten, umgekehrt. (Dafür wurde Galilei wegen Ketzerei verhaftet und mit Folter und Tod bedroht, aber er weigerte sich, zu widerrufen: „Ich glaube nicht, dass derselbe Gott, der uns mit Sinnen, Vernunft und Intellekt ausgestattet hat, beabsichtigt hat, dass wir auf ihren Gebrauch verzichten.“ er sagte.)

Die vielleicht wichtigste technologische Entwicklung der Renaissance fand jedoch nicht in Italien, sondern in Deutschland statt, wo Johannes Gutenberg Mitte des 15. Jahrhunderts die mechanische Druckmaschine mit beweglichen Lettern erfand. Erstmals war es möglich, Bücher – und damit auch Wissen – allgemein zugänglich zu machen.

Kunst und Architektur der Renaissance

Michelangelos „David“. Leonardo da Vincis „Das letzte Abendmahl“. Sandro Boticellis „Die Geburt der Venus“. Während der italienischen Renaissance war Kunst überall (schauen Sie sich nur Michelangelos „Die Schöpfung“ an, die an der Decke der Sixtinischen Kapelle gemalt wurde!). Mäzene wie die Medici-Familie von Florenz förderten große und kleine Projekte, und erfolgreiche Künstler wurden selbst zu Berühmtheiten.

Künstler und Architekten der Renaissance wendeten viele humanistische Prinzipien auf ihre Arbeit an. Der Architekt Filippo Brunelleschi beispielsweise hat die Elemente der klassischen römischen Architektur – Formen, Säulen und vor allem Proportionen – auf seine eigenen Gebäude angewendet. Die prächtige achtseitige Kuppel, die er in der Kathedrale Santa Maria del Fiore in Florenz baute, war ein technischer Triumph – sie hatte einen Durchmesser von 144 Fuß, wog 37.000 Tonnen und hatte keine Strebepfeiler, um sie zu tragen – sowie eine ästhetische.

Brunelleschi entwickelte auch eine Möglichkeit, mit linearer Perspektive zu zeichnen und zu malen. Das heißt, er fand heraus, wie man aus der Perspektive des Betrachters malt, so dass der Raum in den Rahmen zurückzutreten scheint. Nachdem der Architekt Leon Battista Alberti in seiner Abhandlung „Della Pittura“ („Über die Malerei“) die Prinzipien der linearen Perspektive erläutert hatte, wurde sie zu einem der bemerkenswertesten Elemente fast der gesamten Renaissance-Malerei. Später begannen viele Maler, eine Technik namens Hell-Dunkel zu verwenden, um eine Illusion eines dreidimensionalen Raums auf einer flachen Leinwand zu erzeugen.

Fra Angelico, der Maler der Fresken der Kirche und des Klosters San Marco in Florenz, wurde vom italienischen Maler und Architekten Vasari in seinen „Leben der Künstler“ als „ein seltenes und perfektes Talent“ bezeichnet. Renaissance-Maler wie Raffael, Tizian und Giotto und Renaissance-Bildhauer wie Donatello und Lorenzo Ghiberti schufen Kunst, die Generationen zukünftiger Künstler inspirieren sollte.

Das Ende der italienischen Renaissance

Ende des 15. Jahrhunderts wurde Italien von einem Krieg nach dem anderen zerrissen. Die Könige von England, Frankreich und Spanien kämpften zusammen mit dem Papst und dem Heiligen Römischen Kaiser um die Kontrolle über die wohlhabende Halbinsel. Gleichzeitig hatte die katholische Kirche, die selbst von Skandalen und Korruption geplagt war, ein gewaltsames Vorgehen gegen Andersdenkende eingeleitet. 1545 gründete das Konzil von Trient offiziell die römische Inquisition. In diesem Klima war der Humanismus der Ketzerei verwandt. Die italienische Renaissance war vorbei.


Die italienische Renaissance - Ein Überblick über das Theater: Die Geschichte des italienischen Theaters

Die italienische Renaissance fand von 1550 - 1700 statt. Das schnelle Wirtschaftswachstum in Italien während dieser Zeit ermöglichte es den wohlhabenderen Bürgern, sich alternativen Unterhaltungsformen hinzugeben. Wohlhabende Familien wie die Medici begannen ein Patronagesystem, in dem sie Künstler finanzierten, um Kunst in vielen Formen zu produzieren. Grundlage des italienischen Theaters waren die Stücke des antiken griechischen und römischen Theaters (Dramen) sowie des mittelalterlichen Theaters (religiöse Theaterstücke).

Der Hauptstil, der in dieser Zeit von Theatergruppen in Italien verwendet wurde, wurde Commedia oder Commedia dell'Arte genannt. Commedia dell'Arte oder "die Komödie der professionellen Künstler" war während seiner Renaissance eine tragende Säule des italienischen Theaters. Dazu gehörten auch einige Komödien, die von verschiedenen Schauspielern namens Lazzi aufgeführt wurden. Die Art der Komödie, die in der italienischen Renaissance verwendet wurde, war das, was heute als Slapstick oder Farce bekannt ist. Dies war ein Komödienstil, der in einem humorvollen Kontext Schmerz oder Unglück hervorhob, das den Schauspielern widerfuhr.

Die Schauspieler in diesen Komödien verwendeten größtenteils keine Drehbücher. Die Schauspieler bekamen eine Handlung oder ein Szenario und spielten diese Handlung auf humorvolle Weise nach. Diese Aufführungen waren oft vulgär und obszön. Standardisierte Charaktere entwickelt und erschienen in vertrauten Kostümen und mit Masken.

Die Charakterstandards für Commedia enthielten diese allgemeinen Umrisse:

- Pantalone: ​​Ein gieriger alter Mann, Kaufmann oder Narr, oft lüstern, hinterhältig und

- Dottore: Ein Betrunkener, oft Professor oder Arzt, der eine Mütze und ein Kittel trägt.

- Capitano: Ein Soldat, der prahlerisch und feige war.

- Inamorati: Junge Liebende, die im Vergleich zum Rest ganz normal erschienen

- "zanni": Dumme Diener. Normalerweise zwei Diener, einer ist betrunken und

törichter als seine Kohorte.

Neoklassizisten waren strenge Kritiker des italienischen Dramas. Sie entwickelten Regeln für Theateraufführungen, die in Europa fast 200 Jahre überlebten. Diese Mandate wurden angeblich von griechischen und römischen Vorbildern abgeleitet. Fünf zentrale Konzepte des Neoklassizismus sind: Wahrhaftigkeit, Anstand, Reinheit der Gattungen, die drei Einheiten und der zweifache Zweck.

Wahrhaftigkeit - Die Suche nach Wahrheit. Ein Versuch, die Darbietung als eine vernünftige Interpretation dessen darzustellen, was im wirklichen Leben real ist oder vernünftigerweise erwartet wird.

Anstand - Die Art und Weise, wie sich Charaktere bestimmter Klassen gemäß dieser Klasse verhalten haben. Alter, Geschlecht, Rang und Beruf würden so dargestellt, als ob die Charaktere diesen Rang besäßen. Ein starkes Gefühl für moralisch richtig und falsch wurde aufrecht erhalten, was sich in der Bestrafung des Bösen und der Belohnung des Guten widerspiegelte.

Reinheit der Genres - Komödie und Tragödie wurden nie vermischt. Die Elemente eines Genres sollten nie mit der Aufführung eines anderen vermischt werden. Der Gebrauch des Chores, des deus ex machina und des Selbstgesprächs war verboten.

Die drei Einheiten - Das Konzept der Einheit von Zeit, Ort und Aktion. Die Einheit der Zeit erforderte eine angemessene Zeit für die Handlung des Spiels, in der Regel nicht mehr als 24 Stunden. Die Einheit des Ortes erforderte, dass das Stück nicht mehr als einen Ort oder Ort umfassen sollte. Handlungseinheit erforderte, dass es keine Unterhandlungen, Nebenhandlungen oder Gegenhandlungen gab.

Zweifacher Zweck - Die zwei Zwecke neoklassischer italienischer Stücke waren zu lehren und zu unterhalten.

Die Oper ist die einzige Form des italienischen Renaissance-Theaters, die bis heute überlebt hat. Es wurde Ende des 16. Jahrhunderts in Florenz entwickelt. Die Oper war ursprünglich ein Versuch, eine echte griechische Tragödie nachzustellen. Mit Blick auf die griechische Verschmelzung von Musik und Schauspiel versuchten und gelang es den Urhebern der Oper, in ihren Interpretationen einen vollständig gesungenen Dialog zu erzeugen. Oper ist eine Form des Dramas, die ihre Stimmung, Handlungen und Charaktere durch Musik erzeugt

Die erste urkundlich erwähnte Oper heißt Dafne (1597). Der Text der Oper stammt von Ottavio Rinuccini (1562 - 1621). Die Musik wurde von Jacopo Peri (1561-1633) aufgenommen. Die Oper, die aus einem Prolog und sechs Szenen bestand, wurde während des Karnevals vor der Fastenzeit im Palazzo Corsi aufgeführt.

Die Camerata Fiorentina, eine Akademie wohlhabender Italiener, die antikes griechisches und römisches Theater studierten, produzierte Dafne.

Der eigentliche Textteil der Oper wird als Libretto bezeichnet. Ein, zwei, drei oder vier Interpreten können die Libretti singen. Diese Aufführungen werden Arie (Solo), Duett, Trio bzw. Quartett genannt. Die visuelle Darstellung (Intermezzo) zusammen mit musikalischer Exzellenz und starken Darbietungen halten die Oper als eine Form kraftvoller dramatischer Kunst am Leben.

Bühne, Landschaft und Beleuchtung

Die Verwendung von perspektivischen Zeichnungen als Mittel, um realistische Kulissen einzufangen, war ein häufiges Thema unter Bühnenbildnern des 16. Jahrhunderts. Die Illusion von Tiefe wurde durch perspektivische Zeichentechniken mit "Fluchtpunkten" erreicht, wenn Objekte näher am Horizont erschienen, wurden sie immer kleiner auf ihren szenischen Hintergründen gemalt. Der erste Einsatz dieser Technik soll 1508 bei einer Aufführung von Ariostos La Cassaria stattgefunden haben. Ein führender Autor und Bühnenbildner namens Sebastion Serlio schrieb in seinem Buch Architettura (1545) über diese Technik und andere Methoden der Szenengestaltung. Für die drei Haupttypen von Theaterstücken der Epoche (komisch, pastoral und tragisch) wurden verschiedene Arten von illusionistischen Kulissen entwickelt.

Ein dreiseitiges Drehprisma namens Periaktoi wurde entwickelt, um zwischen verschiedenen Einstellungen zu wechseln. Dies war für seine Zeit eine ziemliche Innovation, da die Szenerie direkt vor den Augen des Publikums geändert werden konnte. Zu den weiteren Fortschritten gehörten der Proszenium-Rahmen und der vordere Vorhang zusammen mit verschiedenen Fluggeräten (Ruhm) und anderen Spezialeffekten.

Auch die Beleuchtung in den dunklen Theatern der italienischen Renaissance musste angesprochen werden. Öllampen und Kerzen waren die Hauptquelle der Bühnenbeleuchtung. Obwohl Kerzen und Lampen etwas Rauch produzierten, wurden sie in Kronleuchtern und an der Vorderseite der Bühne platziert. Das Platzieren von durchscheinenden Gefäßen oder Kanistern darüber könnte Kerzen verdunkeln, wenn eine niedrigere Lichtstärke erforderlich ist. Aufgrund der Größe und des Mangels an ausreichender Beleuchtung der Theater war künstliche Beleuchtung eine allgegenwärtige Notwendigkeit.


Frührenaissance

Während der Frührenaissance begannen die Künstler, den byzantinischen Stil der religiösen Malerei abzulehnen und strebten nach Realismus in ihrer Darstellung der menschlichen Form und des menschlichen Raums. Dieses Ziel des Realismus begann mit Cimabue und Giotto und erreichte seinen Höhepunkt in der Kunst der “Perfect”-Künstler wie Andrea Mantegna und Paolo Uccello, die Werke schufen, die eine Punktperspektive verwendeten und mit der Perspektive für ihre gebildeten, kunstkundiger Betrachter.

In der Frührenaissance sehen wir neben dem Stil auch wichtige inhaltliche Entwicklungen. Während Religion ein wichtiges Element im täglichen Leben der Menschen in der Renaissance war und ein treibender Faktor der künstlerischen Produktion blieb, sehen wir auch einen neuen Weg für das Hecheln – mythologische Themen. Viele Gelehrte verweisen auf Botticelli’s Geburt der Venus als das allererste Tafelbild einer mythologischen Szene. Während die Tradition selbst wahrscheinlich aus der Cassone-Malerei hervorging, die typischerweise Szenen aus der Mythologie und romantischen Texten enthielt, würde die Entwicklung der mythologischen Tafelmalerei eine Welt für künstlerisches Mäzenatentum, Produktion und Themen eröffnen.

Geburt der VenusBotticellis Geburt der Venus gehörte zu den wichtigsten Werken der Frührenaissance.


Die Wiedergeburt des Klassizismus

Dank des Humanismus begannen die Italiener der Renaissance wieder, ihre klassisches Griechisch und Roman Erbe in all seinen Formen. Das Wort “Renaissance” bedeutet Wiedergeburt – in diesem Fall die Wiedergeburt der antiken Tradition. Während die italienische Renaissance noch eine zutiefst religiöse Ära war, wurden die Menschen mit der Vorstellung zufriedener, dass die heidnische klassische Vergangenheit mit dem Christentum koexistieren könnte. Als ihre Landsleute die klassische Vergangenheit annahmen, studierten italienische Künstler die klassischen Statuen, die in Rom ausgegraben wurden, genau. Klassischer Mythos und Geschichte wurden beliebte Themen für Renaissancekünstler, wie in Raphael’s zu sehen ist Die Schule von Athen.

Wenn Sie antike griechische und römische Kunstwerke mögen, kommt Ihnen die italienische Renaissance-Kunst möglicherweise sehr bekannt vor. Das liegt daran, dass Renaissance-Künstler oft Posen und Kompositionen aus klassischen Kunstwerken in ihre eigenen Stücke einfließen ließen. Intellektuelle der Renaissance glaubten, dass die Alten bereits die perfekten Lösungen für alle Probleme geschaffen hatten, daher war das Zitieren der klassischen Meister eine beliebte Strategie.

Solche visuellen und literarischen Zitate konnten sehr anspruchsvoll sein, und einige waren nur für Gebildete lesbar. Diese komplexe Symbolik und Thematik trugen dazu bei, den Status des Künstlers vom bloßen Handwerker zu angesehenen Intellektuellen zu erheben.

Tizian, Venus von Urbino, 1538, Uffizien, Florenz, Italien.


Italienische Renaissance - GESCHICHTE

Das neue Weltbild der Renaissance verdankte viel zwei innovativen Denkern und Schriftstellern: dem hl. Thomas von Aquin und Petrarca.

Thomas von Aquin (1225-1274), der das Konzept der natürlichen Theologie entwickelt hat: Theologie basierend auf Vernunft und Erfahrung. Er brachte christliche Lehre und aristotelische Logik in ein synkretisches intellektuelles System. Indem er die Natur der Natur erforschte, legte er den Grundstein für die wissenschaftliche Revolution. Aber denken Sie daran, er meinte nicht, dass die Natur etwas anderes sei, als von Gott erschaffen worden zu sein.

Im 15. und 16. Jahrhundert entwickelte sich der Garten neben vielen anderen Kunstformen und Wissenschaften, und die erhaltenen Beispiele, die Gartengestalter im Laufe der Jahrhunderte beeinflusst haben, sind Denkmäler für das Können der innovativen Gartengestalter, Bildhauer und Ingenieure, die sie gebaut haben.

Heute sind die Gärten jedoch eher in Form von wunderschönen Statuen, fantastischen Wasserwerken und großen immergrünen Bäumen zu sehen. Dies ist bei weitem nicht die ganze Geschichte, aber um diese Gärten zu verstehen, ist es wichtig, in den Geist der Renaissance einzutauchen, der die Welt als hierarchisch betrachtete, aber mit jedem Teil miteinander verbunden.

Vereinfacht gesagt ging die neue Beziehung zwischen Mensch und Göttlichem ungefähr so. An der Spitze standen Gott, der den Menschen geschaffen hatte, und die Natur. Der Mensch nahm die Natur in ihrer Nützlichkeit für seine Bedürfnisse wahr: Pflanzen und Tiere lieferten Medizin, Nahrung und Kleidung. Gleichzeitig war die Natur jedoch Teil des göttlich geschaffenen Kosmos, und so bedeutete das Verstehen der Natur, Gott weiter zu verstehen.

Besonders subtil und komplex war dieses Zusammenspiel im Garten, wo Kunst und Natur zu einem ununterscheidbaren Ganzen vereint wurden. Gemeinsam haben sie etwas geschaffen, das weder das eine noch das andere ist und von beiden gleichermaßen geschaffen wird. Leider haben viele der erhaltenen Renaissance-Gärten viel von ihrer ursprünglichen Symbolik verloren, da die Bepflanzung und die verderblichen Merkmale verschwunden sind. Aber es ist möglich, sie ‘neu zu erstellen’.


4. Tempietto del Bramante

Tempietto del Bramante (Bild: Peter1936F / CC).

Der kleine, runde Tempel von Donato Bramante befindet sich im Innenhof der Kirche San Pietro in Montorio in Rom, an der Stelle, an der der Heilige Petrus gekreuzigt wurde.

Ein kleines Gedenkgrab, das Tempietto („kleiner Tempel“) gilt als Meisterwerk der italienischen Hochrenaissance-Architektur und gilt als Prototyp des Petersdoms.


Kultur der Renaissance in Italien

Obwohl die Ursprünge der Bewegung hauptsächlich auf die intellektuellen und kulturellen Bestrebungen des 14. Jahrhunderts beschränkt waren, blieben viele Aspekte der Gesellschaft und Kultur Italiens mittelalterlich. Diese Verbesserungen konzentrierten sich ziemlich auf die Elite des Landes, das Leben für die Mehrheit der Italiener blieb seit dem Mittelalter unverändert.

Siena – Santa Maria della Scala – Krankenpflege von Domenico di Bartolo
Foto mit freundlicher Genehmigung von Eugene_a/Wikimedia

Die Dinge begannen sich jedoch zum Besseren zu ändern, als das italienische Stadtleben florierte. In den Jahrhunderten der Renaissance verwandelten sich die großen italienischen Städte von dunklen mittelalterlichen Holzstädten in helle Marmorstädte. Wohnungen wurden anders gestaltet, als das Leben in der Stadt aus den Höfen und auf den Straßen und öffentlichen Plätzen entstand.

Ehe- und Familienleben in der Renaissance

Hochzeiten im Italien der Renaissance brachten die Bräuche des mittelalterlichen Italiens auf eine andere Ebene, da selbst die ärmsten Familien versuchten, den Reichen nachzueifern. Sogar ein Bauernmädchen müsste eine kräftige Mitgift bereitstellen, um eine andere Familie dazu zu verleiten, ihren Sohn anzubieten.

Moderne Konzepte der Ehe als Liebesakt standen erst am Anfang und Hochzeiten waren damals eher ein Gesellschaftsvertrag zwischen zwei Familien. Trotzdem war es eine Zeit des fröhlichen Feierns, und die Gäste erwarteten oft, dass sie gut ernährt und unterhalten würden. Vor dem Konzil von Trient wurden Hochzeiten nach dem römischen Zivilrecht von einem Richter und nicht von einem Priester geleitet.

Der heilige Antonius verteilt an die Armen

Frauen in der Renaissance begannen eine größere Rolle im gesellschaftlichen Leben zu übernehmen, obwohl ihre Rolle als Haus- und Kinderbetreuerin unverändert blieb. Der Grund für die Heirat war immer noch, Söhne zu zeugen, und Frauen erwarteten, Jungen zu gesunden und gebildeten jungen Männern zu erziehen. Die Erziehung von Töchtern war teuer, da eine Mitgift erforderlich war, was Familien der unteren Klasse in den Ruin treiben könnte.

Im Gegensatz zum Mittelalter hatten die italienischen Frauen der Renaissance jedoch viel mehr Bewegungsfreiheit, sollten einen eigenen Willen haben und sich eine Meinung bilden können. Obwohl sie die Macht nicht direkt ausüben konnten, waren mächtige Frauen der Renaissance oft die sogenannte „Macht hinter dem Thron“.

Essen in der Renaissance

Die Küche und Essgewohnheiten der italienischen Renaissance waren die Anfänge vieler unserer modernen Lebensmittelkonzepte. Die üppigen Bankette und die aufwendigen Gerichte der Zeit hatten noch mehr mit dem Mittelalter zu tun, wo wohlhabende Gäste oft zu zweit aßen, Utensilien teilten und Abfall für die Hunde auf den Boden warfen. Das Essen änderte sich für die unteren Klassen in der Renaissance kaum, die noch auf dunkles Brot, Bohnen, Nudeln oder Buchweizenpolenta angewiesen waren.

Inzwischen begannen die wohlhabenden Italiener der Renaissance, allen voran die Familie Medici, sich von alten Esstraditionen zu lösen und die wohl Grundlage für die moderne Gourmetküche zu schaffen. Sie begannen, neue Weltzutaten wie Kartoffeln und Paprika zu integrieren, und sie führten auch ein neues Utensil auf den Tisch, die Gabel.

Christus an der Säule (1480-1490) – Donato Bramante – Pinacoteca Brera, Mailand
Foto mit freundlicher Genehmigung von Red_devil_666/Wikimedia

Gabeln wurden erstmals in Italien bei einem Besuch einer byzantinischen Prinzessin in Venedig gesehen und waren ursprünglich von der Kirche verpönt. Die Reichen begannen auch, ihre Mahlzeiten auf Tellern aus Holz, Metall und später feinem Porzellan statt auf hartem Brot (einem Grabenschneider) wie die Armen zu essen. Natürlich hatte die Elite Zugang zu feineren Zutaten und exotischen Gewürzen, um ihre Mahlzeiten zuzubereiten, aber die Italiener während der Renaissance aßen viele der gleichen Lebensmittel, einschließlich Pasta und Polenta.

Festivals in der Renaissance in Italien

Die Renaissance war ein goldenes Zeitalter des Prunks und der Feierlichkeiten, als die Reichen versuchten, sich in öffentlichen Präsentationen zu übertreffen. Die Gründe waren vielfältig, religiöse oder weltliche Feiern wurden mit gleicher Begeisterung abgehalten, als ob die Renaissance versuchte, die oft tristen Zeiten des mittelalterlichen Italiens zu vergessen. Diese Ereignisse waren auch Zeiten, in denen Reich und Arm sich ziemlich frei mischten, Prozessionen konnten jede soziale Schicht vom Papst bis zum Bettler umfassen.

Als die Zeit der Ritter auf dem Schlachtfeld mit Hecht und Schießpulver endete, wurde ihr Geschick mit der Lanze als Sport immer beliebter. Turniere waren als Zuschauersport im gesamten Italien der Renaissance sehr beliebt und zahlreiche andere öffentliche Spiele, Pferderennen und sogar Stierkämpfe brachten die Menschen auf die großen öffentlichen Plätze der italienischen Städte.

Errungenschaften der italienischen Renaissance

Italienisch Literatur

Die Renaissance in Italien ist vor allem wegen der verschiedenen Errungenschaften in Kunst und Kultur berühmt. Viele berühmte Dichter gehörten zu dieser Epoche wie Ludovico Ariosto, Poliziano, Marsilio Ficino, Matteo Maria Boriardo und Luigi Pulci. Italienische Schriftsteller und Dichter hatten in dieser Zeit mehrere Beiträge zur Welt der Literatur geleistet.

Italienisch Kunsts in der Renaissance

Die Idee, dass die Renaissance eine Wiedergeburt oder Wiederentdeckung war, wird am besten dadurch veranschaulicht, wie ihre größten Künstler die Werke des antiken Griechenlands und Roms als Grundlage verwendeten. In der bildenden Kunst der damaligen Zeit gehören die Meisterwerke aus Stein, Bronze und Farbe zu den größten menschlichen Errungenschaften.

Namen wie Leonardo, Michelangelo, Raphael, Donatello und Botticelli sind Jahrhunderte nach ihrem Tod ein Begriff. Unsere modernen Vorstellungen von künstlerischer Schönheit sind in vielerlei Hinsicht noch immer von den Errungenschaften dieser Epoche geprägt. Sie nahmen viel von den Alten, die Kunst der Renaissance war auch stark von der katholischen Kirche beeinflusst und schuf etwas Einzigartiges für diesen besonderen Ort und diese Zeit.

Renaissance Die Architektur

Obwohl die italienische Renaissance noch viel mit früheren Zeiten in Europa gemeinsam hatte, begann sie auch vieles, was wir in unserer modernen Welt noch finden. So viele Errungenschaften der Renaissance wurden seitdem übertroffen und wieder andere bleiben unantastbar. Michelangelos David und Leonardos Mona Lisa werden heute vielleicht noch mehr bewundert als zu ihrer Entstehungszeit vor Jahrhunderten.


I Tatti-Studien zur Geschichte der italienischen Renaissance

Diese Reihe wurde in Zusammenarbeit mit dem Harvard University Center for Italian Renaissance Studies in der Villa I Tatti veröffentlicht und repräsentiert die qualitativ hochwertigste Forschung zur Geschichte der italienischen Renaissance vom 13. bis 17. Jahrhundert. Innerhalb dieser weiten chronologischen Definition veröffentlicht die Reihe zwei bis drei Bände pro Jahr. Nicholas Terpstra ist Chefredakteur.

Nachfolgend finden Sie eine Liste der gedruckten Werke in dieser Sammlung, die in der Reihenfolge der Reihen oder der Veröffentlichungen aufgeführt sind.

Einer der führenden Humanisten des Quattrocento Italiens, Lorenzo Valla (1406&ndash1457), wurde als brillanter Entlarver der mittelalterlichen scholastischen Philosophie gelobt. In diesem Buch Lodi Nauta sucht eine ausgewogenere Bewertung und präsentiert uns die erste umfassende Analyse des humanistischen Versuchs einer radikalen Reform der aristotelischen Scholastik.

Alison Brown demonstriert, wie florentinische Denker Lucretius&mdash früher und weiter als angenommen benutzten&mdash, um eine radikale Kritik an vorherrschenden Orthodoxien zu liefern. Sie erweitert unser Verständnis der &ldquorevolution&rdquo im politischen Denken des 16. Jahrhunderts und unsere Definition der Renaissance in neu entdeckten Welten und neuen sozialen Netzwerken.

Diese innovative Mikrogeschichte einer faszinierenden, aber vernachlässigten Stadt zeigt, wie ihre Loyalität gegenüber Venedig durch militärische Angriffe, wirtschaftlichen Abschwung und demografischen Zusammenbruch auf die Probe gestellt wurde. Trotz dieser Prüfungen erlebte Brescia eine kulturelle Wiederbelebung und einen politischen Wandel, der Stephen Bowd verwendet, um die Staatsbildung in einer mächtigen Region der italienischen Renaissance zu erklären.

Leonardo Bruni gilt als der bedeutendste humanistische Historiker der Frührenaissance. Gary Ianziti führt eine systematische, arbeitsteilige Untersuchung des gesamten Spektrums von Brunis Werk in Geschichte und Biografie durch und bewertet detailliert den Einfluss der griechischen Historiker auf die humanistischen Methoden der Geschichtsschreibung.

Der Herzog und die Sterne erforscht Wissenschaft und Medizin, wie sie im Italien des 15. Es veranschaulicht, wie die &ldquoVorhersagekunst&rdquo der Astrologie für italienische Renaissance-Herrscher oft eine kritische, geheime Informationsquelle war, insbesondere in Krisenzeiten.

Renaissance-Debatten über Politik und Gender führten zu bahnbrechenden Formen der Armenfürsorge, die Frauen den Start ins Leben erleichtern sollen. Dazu gehörten Waisenhäuser für uneheliche Kinder und Zwangsarbeit in Arbeitshäusern, aber auch Frauenhäuser und frühe Formen des Mutterschaftsgeldes, Arbeitslosenversicherung, Lebensmittelmarken und Sparkassensparpläne.

1482 produzierte Francesco Berlinghieri die Geographie, ein Buch mit über 100 Folioblättern, das die Welt in italienischen Versen beschreibt, die mit aufwendig gravierten Karten verschachtelt sind. Roberts zeigt, dass die Geographie stellt den Moment des Übergangs zwischen Druck- und Manuskriptkultur dar und bildet gleichzeitig eine kritische Basis für den Aufstieg der modernen Kartographie.

Italienische Predigten erzählen eine Geschichte der Reformation, die Predigern die Verwendung von Kanzel, Feder und Druckerpresse zuschreibt, um Italien katholisch zu halten, als die heftigen Religionskriege der Region die Zukunft ungewiss machten, und einen Katholizismus nach der Reformation zu schaffen, der den Wettbewerb überleben würde, und religiöse Wahl ihrer eigenen und unserer Zeit.

Im 16. Jahrhundert scheiterte der Stadtstaat Florenz. An seiner Stelle schufen die Medici ein Fürstentum und wurden zuerst Herzöge von Florenz und dann Großherzöge der Toskana. Die Frucht der Freiheit analysiert die langsamen Transformationen, die dem institutionellen Wandel von der Republik zum Fürstentum, vom Bürger zum Subjekt vorausgingen und ihn erleichterten.

Carter, Tim
Goldthwaite, Richard A.

Diese Aufzeichnung der weitreichenden Investitionen und Aktivitäten des florentinischen Musikers Jacopo Peri ermöglicht die erste detaillierte Darstellung der florentinischen Wirtschaft im späten 16. und frühen 17. Jahrhundert und eröffnet eine völlig neue Perspektive auf eines der wichtigsten Zentren des Kapitalismus in Europa.

In der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts waren Rom und der päpstliche Hof gefangen zwischen widersprüchlichen Realitäten zwischen Mittelalter und Renaissance, Konziliarismus und Papsttum, dem Bild einer wiederhergestellten Republik und dem Traum von einer päpstlichen Hauptstadt. Elizabeth McCahill untersucht die Umwandlung des antiken Erbes Roms in einen starken kulturellen Mythos.

Bei der Erläuterung einer unwahrscheinlichen Liaison und ihrer Folgen, Die Tochter eines Matratzenherstellers untersucht sich ändernde Konzepte von Liebe und Romantik, neue Standards öffentlichen und privaten Verhaltens und aufkommende Einstellungen zu Eigentum und Legitimität, während das Zeitalter des Humanismus der Renaissance der Gegenreformation und dem Europa der Frühen Neuzeit Platz macht.

Den Mythos zerstreuen, dass die florentinische Politik nur negative Lektionen bot, Mark Jurdjevic zeigt, dass wesentliche Aspekte des politischen Denkens Machiavellis von seiner Heimatstadt inspiriert wurden. Machiavellis Verachtung der Unzulänglichkeiten von Florenz war eine direkte Folge seiner beträchtlichen Einschätzung des nicht realisierten politischen Potenzials der Stadt.

Cosimo dei Medici stabilisierte die herzoglichen Finanzen, sicherte seine Grenzen, verdoppelte sein Territorium, zog Gelehrte und Künstler an seinen Hof, seine Akademie und seine Universitäten und zerstreute die zerstrittene florentinische Politik. Diese Triumphe waren keine Selbstverständlichkeit, da Gregory Murry zeigt in dieser Studie, wie Cosimo sein Bild als sakraler Monarch gestaltete.

Anhand von vier berüchtigten Momenten aus dem Leben des Herzogs Vincenzo Gonzaga von Mantua, Valeria Finucci erforscht sich verändernde frühmoderne Konzepte von Sexualität, Fortpflanzung, Schönheit und Altern. Sie verbindet geschickt anzügliche Geschichten mit historischen Analysen, um eine umfassendere Geschichte der kulturellen Anpassungen und Obsessionen der italienischen Renaissance zu erzählen.

Ada Palmer untersucht, wie Dichter und Philologen der Renaissance, nicht Wissenschaftler, Lucretius und seine Atomismustheorie gerettet haben. Diese Heterodoxie zirkulierte in der vormodernen Welt, nicht auf der auffälligen Bühne von Häresieprozessen und öffentlichen Debatten, sondern in den Klassenzimmern, Bibliotheken, Studien und Buchhandlungen, wo stille Gelehrte auf transformative Ideen trafen.

Meredith Ray zeigt, dass Frauen während der wissenschaftlichen Revolution an der Spitze der empirischen Kultur standen. Sie experimentierten zu Hause und vor Gericht mit Medizin und Alchemie, debattierten in Salons und Akademien über kosmologische Entdeckungen und setzten in ihren Schriften ihr naturphilosophisches Wissen ein, um für die intellektuelle Gleichstellung der Frauen gegenüber den Männern zu argumentieren.

Enthüllt eine italienische Renaissance jenseits von Michelangelo und den Medici, Sarah Gwyneth Ross stellt die Erfahrungen alltäglicher Menschen wieder her, die inspiriert wurden, humanistisches Lernen zu verfolgen. Ärzte waren oft die eifrigsten Fachleute, die versuchten, sich den Respekt ihrer Vorgesetzten zu verdienen, ihre Familien zu fördern und nach dem Tod ein ehrenhaftes Andenken zu sichern.

Dag Nikolaus Hass zeigt, wie ideologische und wissenschaftliche Motive zum Niedergang der arabischen Traditionen in der europäischen Kultur führten. The Renaissance was a turning point: on the one hand, Arabic scientific traditions reached their peak of influence in Europe on the other, during this period the West began to forget, or suppress, its debt to Arabic culture.

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Nobles of the Italian City-States

At the same time that humanism was taking shape as an intellectual movement, central and northern Italy saw the rise of the city-states. The political situation in these Italian regions would play an equally important role in the growth of the Renaissance. The Italian city-states were often fiercely independent, and a strong sense of rivalry developed amongst them. Additionally, these city-states were normally led by new noble families, i.e. those that had risen to power not long ago.

One of the most notable of these new nobilities is the Medici family, which ruled over Florence for much of the period between the 15 th and 18 th centuries. The Medicis were originally peasants from Tuscany, and they trace their roots to the village of Cafaggiolo in the Mugello, the valley of the Sieve, north of Florence. Some of these villagers emigrated to Florence, due to the opportunities afforded by commerce, and grew rich.

Renaissance artwork of the Virgin and Child with St Anne and members of the Medici family as saints. (Giovanni Maria Butteri / Public domain )

The Medicis too obtained their wealth by these means, though they were not amongst the leading families. After 1340, however, many of these powerful families were forced into bankruptcy, as a consequence of an economic depression in Europe. Furthermore, around the same time, Europe was struck by the black death, which reached its peak between the 1340s and 1350s. The Medici family managed to survive these disasters, and even seized the opportunity to advance their position in Florentine society. Amongst the most famous members of the Medici family were Cosimo de’ Medici, Lorenzo de’ Medici, and Catherine de’ Medici.

The Medicis, as well as other noble families of the Italian city-states, needed to legitimize their new social and political status, and were keen to display their wealth. As these nobles were also heavily influenced by humanism, they decided to do this through the arts and culture. Thus, these powerful families became important patrons of the arts, and it was their great wealth that funded the Renaissance. As humanists, the Italian nobles had no qualms in drawing inspiration from both the pagan classical world, as well as from Christianity. Whilst the former allowed these nobles to link themselves with the lost glories of ancient Greece and Rome, the latter displayed their piety. Thus, the works of art of the Renaissance had both paganism and Christianity as their subject matter. For instance, at the same time Raphael was painting Die Schule von Athen , Michelangelo was painting the ceiling of the Sistine Chapel , both are considered some of the best Renaissance artworks to be completed by two of the most influential artists.

The School of Athens by Raphael (‘Stanze di Raffaello’) in the Apostolic Palace in the Vatican. (Raphael / Public domain )

The generous patronage of these Italian noble families resulted in the rise of many distinguished artists, whose works are still admired even today. Some of the most prominent of these Renaissance artists were Leonardo da Vinci, Michelangelo, and Raphael, all of whom were patronized by the Medicis at some point of time in their careers. In the case of Raphael, he did not work under the Medicis in Florence, as they were in exile for much of Raphael’s life. Instead, he received patronage in Rome from Pope Leo X, who was himself a member of the Medici family.

Although the Renaissance began in Florence, it spread to other Italian city-states as well, including Venice, Genoa, Milan, and Bologna. The Renaissance even arrived in Rome itself during the early 15 th century, thanks to a series of popes collectively known as the ‘Renaissance Papacy’. Although most of the popes from this period were morally bankrupt, they invested heavily in the arts and architecture of Rome, as they saw it as a way to increase the prestige of the Eternal City. The rebuilding of St Peter’s Basilica, for instance, began in 1506, during the reign of Pope Julius II (who, incidentally, chose his papal name in honor of Julius Caesar, and is nicknamed the ‘Warrior Pope’), whilst the Sistine Chapel was painted during the papacies of Sixtus IV, Julius II, Clement VII, and Paul III.

Michelangelo’s painting of the Sistine Chapel ceiling in the Vatican. ( Sergii Figurnyi / Adobe stock)


“Beauty Adorns Virtue”: Italian Renaissance Fashion

A round 1474-8 Leonardo da Vinci painted his iconic portrait of the Florentine noblewoman Ginevra de’Benci (Fig. 1a). The front panel displays the aristocrat’s face, while the back uses flora to represent her personality. The two sides blend together, creating a full picture of Ginevra de’Benci. The sitter wears a brown kirtle laced with blue ribbon, and a halo of tight ringlets surrounds her face. The obverse side of the portrait (Fig. 1b) proclaims Ginevra’s literary intellect with a laurel leaf, which intersects with a palm frond (a typical attribute carried by martyred saints) to suggest her strong moral character. Both symbolic branches encircle a sprig of juniper, a pun on the sitter’s given name. A banner of trompe-l’oeil paper intertwines all three plants, displaying a Latin motto: “VIRTVTEM FORMA DECORAT,” or “Beauty adorns virtue (Brown, 64).” Ginevra de’Benci is unique within Renaissance female portraiture due to its focus on the sitter’s individuality. However, the painted words “Beauty adorns virtue” reverberate across nearly all portraits of women from the period. Renaissance women were expected to use lavish clothing, jewelry, accessories, and cosmetics to adhere to contemporary beauty standards. However, Renaissance beauty was not skin deep. In order to be considered beautiful (and fashionable), an early modern woman must also be virtuous.

Fig. 1 - Leonardo da Vinci (Florentine, 1452-1519). Ginevra de' Benci, ca. 1474/1478. Oil on panel 38.1 x 37 cm (15 x 14 9/16 in). Washington: National Gallery of Art, 1967.6.1.a. Ailsa Mellon Bruce Fund. Source: NGA

Fig. 1 - Leonardo da Vinci (Florentine, 1452-1519). Wreath of Laurel, Palm, and Juniper with a Scroll inscribed Virtutem Forma Decorat, ca. 1474/1478. Washington: NGA. Source: NGA

During the Renaissance, creating textiles was extremely expensive and time-consuming, so clothing was often recycled. If a dress was torn, stained, or became too small for its wearer, it would be cut, re-stitched, and reused as a seat cushion cover, for example, or clothing for children. Further, fabric decays quickly relative to other materials. As a result, there are very few full ensembles surviving from the Renaissance. Because pieces of clothing (and complete outfits) are so scarce, we must instead rely on pictorial media to understand what Renaissance peoples considered fashionable. While paintings are not always perfect mirrors of the past, they give us the best available estimation. Italy was a fashion forerunner at the time, and as such Italian portraiture helps us understand what people wore in the fifteenth and sixteenth centuries.

Men’s dress

F ashion trends in this period were generally set by the aristocracy and upper-classes. A patrician closet relied on a vast network of tailors, dressmakers, purse-makers, metalsmiths, furriers, embroiderers, lace-makers, and leather-workers to stay abreast of the latest trends. Courts would often employ private fashion designers to clothe the royal family. A wall fresco of Ludovico Gonzaga and his Family and Court (Fig. 2) painted by Andrea Mantegna between 1465-74 elucidates what men wore in fifteenth-century Italian courtly circles. Men’s clothing in this period enjoyed a wide range of colors. The courtiers wear red, blue, gold, pink, or green belted tunics. They all sport red circle-brimmed caps. Men’s hemlines in the fifteenth century ended above the knee to show off two-tone hose. As the period advanced, men’s hemlines ascended higher and higher up stockinged legs, ultimately culminating in the need for the codpiece in the mid-to-late sixteenth century.

Fig. 2 - Andrea Mantegna (Italian, 1431-1506). The Court of Gonzaga, ca. 1465-1474. Walnut oil on plaster 805 x 807 cm (316.9 x 317.7 in). Mantua: Ducal Palace. Quelle: Wikimedia

This scene also gives insight into the ways clothing signaled authority and social connection in the fifteenth century. The men in the image all wear one white and one reddish stocking because this marks them as servants or household members of Ludovico Gonzaga’s (sitting on the far-right side of the fresco, wearing an off-red robe) Mantuan court. The ruler has marked his courtiers with his house colors. This helped visually identify men who had sworn fealty to Mantua, and promoted tonal unity in public settings. Clothes were also often used as payment for services rendered. Clothing, therefore, was a central facet of both politics and economic stability.

In the sixteenth century, men’s fashions turned towards darker, more somber hues in their fabrics. Baldassare Castiglione, writer of a popular book on etiquette, The Courtier (published 1528), tells upper-class men how to dress. Castiglione insists he:

“…would like our courtier always to appear neat and refined and to observe a certain modest elegance, though he should avoid being effeminate or foppish in his attire and not exaggerate one feature more than another.” (164)

Sixteenth-century men dressed down to display seriousness and sobriety. Men’s tunics, jackets, and stockings were generally tailored from black or dark brown luxury fabrics like velvet or silk. Women’s clothing, however, offered more complexity and variety throughout the Renaissance.

Fig. 3 - Fra Filippo Lippi (Italian, 1406-1469). Portrait of a woman, 1445. Oil on poplar panel 49.5 x 32.9 cm. Berlin: Gemäldegalerie, Ident.Nr. 1700. Source: Gemäldegalerie

Fig. 4 - Domenico Ghirlandaio (Domenico Bigordi) (Florentine, 1449-1494). Portrait of Giovanna degli Albizzi Tornabuoni, 1489-1490. Mixed media on panel 77 x 49 cm. Madrid: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Inv. Nein. 158 (1935.6). Source: Thyssen-Bornemisza

Fifteenth-century women’s dress

F ra Filipo Lippi’s Portrait of a woman (Fig. 3), painted around 1445 is a touchstone for fifteenth-century female beauty and dress. The unknown sitter’s lips and cheeks have been lightly rouged with cosmetics to highlight her youthful glow. Her fair complexion, bright eyes, rosy lips, and blonde, expertly-coiffed hair all refer to a popular fictional late Medieval lady, Laura. Petrarch describes his muse, Laura, in his humanist poetry collection Il Canzoniere or song book. Laura is also portrayed as perfectly virtuous and chaste in Petrarch’s poems, which enhances her unearthly beauty. This book was so popular in Renaissance Italy it inflected beauty standards thanks to Petrarch’s ladylove, early modern gentlemen preferred blondes. Even Christ’s mother, Mary, is depicted with golden hair in most period paintings. Women dyed their hair to achieve the desired tone. Die Trotula, a twelfth-century text on women’s medicine, advises:

“For coloring the hair so that it is golden. Take the exterior shell of a walnut and the bark of the tree itself, and cook them in water, and with this water mix alum and oak apples, and with these mixed things you will smear the head (having first washed it) placing upon the hair leaves and tying them with strings for two days you will be able to color [the hair]. And comb the head so that whatever adheres to the hair as excess comes off. Then place a coloring which is made from oriental crocus, dragon’s blood, and henna (whose larger part has been mixed with a decoction of brazil wood) and thus let the woman remain for three days, and on the fourth day let her be washed with hot water, and never will [this coloring] be removed easily.” (Green 115)

Notice also that the hairline in Portrait of a woman is unnatural. Fifteenth-century women often plucked or shaved their hairline back several inches, towards the illusion of a lengthy forehead, a sign of intelligence. She has severely tweezed her eyebrows to complete the effect.

The dress style in Portrait of a woman is typically fifteenth-century. Fashionable gowns positioned female waistlines above the hips, accentuated the waist with a belt or girdle, and generously poured uninterrupted volumes of fabric towards the feet (Landini and Bulgarella 90). These gowns, which are referred to in period inventories as a gonna, gonnella, sottana, gamurra, oder cotta interchangeably, could be hemmed at the ankles or floor. A wealthy early modern woman wore at least three—often four—complete layers of clothing in public. On special occasions a woman would wear another gown atop the gamurra genannt giornea, usually patterned and made of velvet or silk brocade. The unknown figure in Portrait of a woman wears a green gamurra, während Giovanna da Tornabuoni (Fig. 4) wears both layers in her portrait. A woman’s exterior-most gown was the most expensive and ostentatious, as it faced the evaluating world (Frick 162). An outer garment alone could require eight braccia, or a little over five yards (4.5 meters) of fabric. Beneath their sumptuous gowns, women typically wore a chemise or camicia (Fig. 5), an undershirt that pressed directly against the skin. The white fabric peeking out from under the larger, green sleeve worn by Lippi’s sitter is an example. Zwischen den camicia und gamurra women usually wore another over-dress. An upper-class woman’s clothing was thick, voluminous, and dense.

Fig. 5 - Maker unknown (Italian). Camicia or chemise (shirt), 16th century. Linen, silk and metal thread. New York: The Metropolitan Museum of Art, 10.124.2. Rogers Fund, 1910. Source: The Met

Fig. 6 - Maker unknown (Italian). Belt or girdle with a woven love poem, 16th century. Tapestry weave band with silk and metal thread 167.6 x 6.4 cm (66 x 2.5 in). New York: The Metropolitan Museum of Art, 46.156.73. Fletcher Fund, 1946. Source: The Met

While the ensemble in Portrait of a woman may seem simple at first glance, it is in fact very lavish when considered within the context of the fifteenth century. Her overgown is dyed a vibrant shade of green, as bright jewel-tones were very popular for women’s clothing during the Renaissance. Pleats begin just below the breasts and expand at her waistline. Her long sleeves are a symbol of wealth and status, as the extra fabric hinders manual labor. Her skirts bunch and spring from her waist. Neckline and sleeves are lined with a thick fabric, perhaps muslin or even fur. Small, decorative holes are bored into her belt and undershirt. A strand of identical pearls hangs from her neck. Though the sitter’s hair is covered, viewers can assume it is arranged in a complex up-do. Two types of lace make up the headdress, one porous with seamed holes. A sheer lace veil sweeps around her neck. The veil symbolizes her adherence to humility and religious norms. A closer look at the veil reveals how very expensive this accessory was: tiny pearls trim its outer edges and line the main body.

Portrait of a woman may be a marriage portrait. The sitter’s hands are dotted with six rings, which were exchanged during Renaissance engagement and wedding ceremonies. Her pinned-up hair also possibly attests to her wedded status, as young Italian women only wore their hair down to announce marital availability. Further, the pearls she wears on both her necklace and headdress may also be read as potent symbols of sexual purity. Across Western Europe, young women wore pearls to broadcast their virginity, considered the most desirable trait in marriage negotiations. Her white, stippled belt may be a further marker of chastity. Belts were closely associated with marriage, sexual virtue, and pregnancy, and were commonly given as gifts from groom to bride, such as this example in the Metropolitan Art Museum’s collection (Fig. 6), which bears a love poem stitched in precious metal. Women were expected to be unflinchingly loyal to their husbands. While men often waited until mid-life to marry (so that they had time to grow their estate or business beforehand), marriage age for Renaissance women was late adolescence or early adulthood, with the optimal ages for best childbearing potential falling between fifteen and nineteen. If an upper-class woman was fortunate enough to have her portrait made, it was likely in celebration of her engagement or wedding. Lippi’s sitter, then, is likely a teenager.

This woman is performing Renaissance decorum, from her gaze to the position of her hands. Not only is her gaze pointed outside the frame, her eyes are also half-lidded. Downcast or avert eyes were a sign of feminine modesty. Lippi’s sitter clasps one hand to her sleeve and the other lightly strokes her collar. A popular handbook for upper-class maidens, the Décor Puellarum (printed in Venice in 1469) urged young ladies:

“not to touch yourself, nor others, nor any part of the body with your hands, except when absolutely necessary. Your right hand must always rest upon your left, in front of you, on the level of your girdle.”

It was socially safer for women to touch clothing or accessories rather than allow their hands to wheel through open air, or make contact with their own bare skin. Notice also how the woman is painted obviously inside, as the public sphere was generally reserved for men. Again, the words unfurling across the banner in Ginevra de’Benci, “beauty adorns virtue” may be easily applied to this sitter.

Sixteenth-century women’s dress

W omen’s clothing in the sixteenth century remained similarly structured, with several layers beneath a sumptuous principle gown. However, a wider range of textures and additional detailing became fashionable. The Palazzo Reale in Pisa owns a rare, fully-intact Italian dress (Fig. 7) from the late sixteenth century, tailored circa 1550-60. This incredible survival gives a unique glimpse into changes to women’s dress in the sixteenth century. A tight, pointed bodice laces up the sides. Tassels accentuate the bodice and would have jangled as the wearer moved, adding to the gown’s lived intensity. The slits in the sleeves show off the underwear, usually made of silk or fine cotton, yet another hint that the wearer enjoys high status. Luscious red velvet panels are lined with embroidered trim. This dress is lavish in its sheer amount of fabric. The skirting extends in a bell towards the ground, and boasts a long train, heightening the public spectacle as the wearer walked through open streets. Typical Renaissance gowns covered the wearer from waist to feet, and were so long she was forced to carry her skirts to walk unhindered. Red-dyed fabrics have a long historical pedigree of association with wealth. A hue of such high saturation required the slaying of innumerable New World cochineal insects, whose bodies were crushed for textile dyes (Monnas 157).

Fig. 7 - Maker unknown. Gown, ca. 1550-60. Pisa: Museo di Palazzo Reale. Quelle: Pinterest

Tightly-laced corsets entered into popular fashion in the mid-to-late sixteenth century. The introduction of the steel corset into European female undergarments is apocryphally attributed to Catherine de’Medici in 1579 (Steele 2-7). According to a popular legend, the fertile Queen consort, who was with child nine times during her marriage to Henry II of France, desired a wearable instrument to shore up the contours of her postpartum figure. However, paintings tell us body-shaping implements were introduced earlier. Notice how stiff Eleonora of Toledo’s bodice is in Bronzino’s iconic portrait of the Spanish noblewoman (Fig. 8). Expensive accessories also grew more lavish in this era. Eleonora wears a snood (a hairnet) and a bavero (shoulder covering), both made of cloth-of-gold and decorated with pearls.

Fig. 8 - Bronzino (Italian, 1503-1572). Portrait of Eleanor of Toledo with her son Giovanni de' Medici, 1544-45. Oil on panel 115 x 96 cm (45.3 x 37.8 in). Florence: Uffizi. Quelle: Wikimedia

Fig. 9 - Lavinia Fontana (Italian, 1552–1614). Portrait of a Noblewoman, ca. 1580. Oil on canvas 45 1/4 x 35 1/4 in cm. Washington: National Museum of Women in the Arts. Gift of Wallace and Wilhelmina Holladay. Source: NMWA

Lavinia Fontana’s Portrait of a noblewoman (1580) showcases sixteenth-century Bolognese fashion (Fig. 9). A high collar and stiff, starched ruff surround the sitter’s face. A jeweled headband crowns her head. Her dress may be a wedding dress, as burgundy was a popular color for brides. This woman is careful to respect period sumptuary laws (civil restrictions on what could and could not be worn in public) women were only allowed to wear multiple necklaces if one hosted a cross (Murphy 96).

A small dog perches on her skirt beneath her caress. This animal is yet another signal to the viewer that this woman is extremely wealthy. Upper-class women often kept little dogs as luxury pets, as they were too small for hunting and thus only useful as companions and living accessories. The dog itself wears a gemstone collar. The creature is also symbolic of marital fidelity, as the animals were considered naturally loyal. The need to preserve a woman’s chastity was still tantamount throughout sixteenth-century portraiture.

It is possible the bejeweled martin head hanging from her belt (a popular accessory for women in the period) symbolizes pregnancy or the promise of future pregnancy (Musacchio 172). The head swings directly below her womb. Martins and weasels (a Renaissance person would not have made a distinction between species) were thought to reproduce rapidly, and so this fashionable accessory may double as a quasi-magical token used to generate future progeny. Ermines were also symbols of purity.

Clothing and jewelry, however, are the true subject of Portrait of a noblewoman. Every facet of every jewel, every stitch of the gown is rendered with high accuracy. Caroline Murphy argues that the extensive detail paid to the elaborate gowns and jewels of Bolognese noblewomen by Lavinia Fontana act as painted dowry inventories (Murphy 88). A dowry was a case of luxury items and cash a bride’s father exchanged with her groom. Upper-class Renaissance women did not work, but social norms required she wear ostentatious clothing in public. Clothing a wife was expensive, so families would often off-set the cost by providing the young bride with a set of clothing and jewelry to start her new, married life. In early modern Italy, it was possible for a woman to regain her dowry after her husband’s death, the first time in her life that she had access to its wealth. Paintings like this, therefore, may be so meticulously and precisely rendered to prove what made up the dowry, should its contents ever be called into question (Murphy 88).

Together, these images explain how fashion was bound up with beauty and social expectations for women. Female portraiture depicts not specific individuals, but rather their lavish clothing and jewelry. Women were meant to be decorous and decorative. Virtue, familial expectation, and attractiveness were deeply conflated. Leon Battista Alberti states in Della Famiglia, a treatise on living well (began 1432), that what makes a woman beautiful is potential fertility:

“Thus I believe that beauty in a woman can be judged not only in the charms and refinement of the face, but even more in the strength and shapeliness of a body apt to carry and give birth to many beautiful children.” (122)

In the very next line Alberti adds that “the first prerequisite of beauty in a woman is good habits” (Ibid). Alberti would have agreed with the mantra: “Beauty adorns virtue.”


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