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Edward Hopper

Edward Hopper


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Edward Hopper, ein amerikanischer realistischer Maler, dessen hochindividualistische Werke ein Maßstab des amerikanischen Realismus sind, verkörpert ein Kunstbewusstsein, das das zeitgenössische amerikanische Leben auf unheimliche Weise als von Isolation, Melancholie und Einsamkeit gekennzeichnet darstellt.Geburt und KindheitEdward wurde am 22. Juli 1882 in der Kleinstadt Nyack in New York am Hudson River geboren. Hopper wusste bereits 1899, im Jahr seines 17. Geburtstags, dass er Künstler werden wollte. 1899 besuchte er erstmals eine Schule für Gebrauchsgrafik und Illustration in New York City, New York. Der Hauptlehrer war William Merritt Chase ( 1849-1916), ein Maler, der den Stil von John Singer Sargent nachahmte. Er und seine Kommilitonen wurden aufgefordert, einen realistischen Stil zu entwickeln, der die urbane Kultur abbildet.Frühe KarriereWie viele junge Künstler wollte Hopper in Frankreich studieren. Im Oktober 1906 wurde sein Wunsch erfüllt, als er mit Hilfe seiner Eltern auf den Kontinent aufbrach. Nach diesen Reisen hielt er sich jedoch nie wieder in Europa auf. Hopper war von den Werken von Diego Velazquez, Francisco de Goya, Honore Daumier und Edouard Manet sehr berührt. Seine frühen Gemälde zeigten einige der grundlegenden Merkmale des Realismus, die er während seiner gesamten Karriere tragen würde, einen ausgewogenen, kombinativen Stil, der auf einfachen, großen analytischen Formen basiert; weite Farbflächen und die Verwendung architektonischer Grundlagen in seinen Szenen. Über viele Jahre hinweg dominierten Erinnerungen an Tage im Ausland Hoppers Malstil. Nach diesem Versuch erneuerte Hopper seine Bemühungen, indem er einheimische amerikanische Motive verwendete, für die er am meisten in Erinnerung bleibt. Edward Hopper machte seinen ersten Verkauf 1913 bei einer Ausstellung in New York. Nachdem er 37 Jahre alt wurde, verdiente Hopper mehrere Jahre lang seinen Lebensunterhalt als kommerzieller Illustrator.Hochzeit1923 trat Josephine Nivison, die er aus ihrer Studienzeit bei Chase und Henri kannte, erneut in sein Leben ein. Im selben Jahr, in dem sie heirateten, änderte sich das Glück für Hopper.Spätere KarriereEdward Hoppers Paradejahr war 1924. Hoppers Karriere nahm Fahrt auf und blieb von der Weltwirtschaftskrise der dreißiger Jahre bemerkenswert unberührt. Edward Hopper hatte die Welt geprägt. Das Museum of Modern Art (MOMA) veranstaltete 1929 eine Ausstellung, Gemälde von Neunzehn lebenden Amerikanern, die Hoppers Arbeit enthalten. Obwohl seine Arbeit außerhalb des Mainstreams der Abstraktion der Mitte des 20. Jahrhunderts lag, war sein vereinfachter schematischer Stil einer der Einflüsse auf die spätere Wiederbelebung der Darstellung und auf die Pop-Art.Letzte TageHopper arbeitete bis ins hohe Alter und teilte seine Zeit zwischen New York City und Truro, Massachusetts auf. Edward Hoppers Ruhm hielt nicht an, als seine Muse versiegte. Seine Frau, die 10 Monate später starb, vermachte sein Werk dem Whitney Museum of American Art. Im Jahr 2004 erinnerte sich die Welt an Hopper und ehrte ihn, als viele seiner Gemälde durch Europa tourten und im Museum Ludwig in Köln, Deutschland, und im Museum Ludwig Halt machten Tate Modern Art Gallery in London. Die Hopper-Ausstellung wurde mit mehr als 400.000 Besuchern in den drei Monaten ihrer Eröffnung zur zweitbeliebtesten in der Geschichte der letztgenannten Galerie.


Siehe auch Andrew Wyeth und Jackson Pollock.


Edward Hopper und der Duft der Einsamkeit

Ich erinnere mich, dass ich Edward Hoppers Stück zum ersten Mal gesehen habe. Natürlich war es sein berühmter Nachtfalken – Sie kennen dieses Gemälde – es ist spät in der Nacht, Leute sitzen in einem billigen Restaurant, ein Paar wartet auf seine Bestellung. Wenn Sie selbst schon einmal ein “nighthawk” waren, kennen Sie dieses Gefühl von Müdigkeit, dem Geruch von Zigaretten und verdautem Alkohol. Müdigkeit und verlorene Illusionen.

Edward Hopper, Nighthawks, 1942, Art Institute of Chicago

Hopper war ein Meister der Einsamkeit. Nur hat er Melancholie so gemalt, dass man beim Betrachten dieser Menschen ihre Geheimnisse spüren kann. Denn manchmal sind Ihre Geheimnisse ihren ganz ähnlich.

In Automat 1927 sitzt eine Frau allein und trinkt eine Tasse Kaffee. Es ist spät und kalt draußen. Der Raum wirkt groß, hell erleuchtet und leer. Die Frau sieht verlegen und leicht ängstlich aus, ungewohnt allein an einem öffentlichen Ort zu sein. Etwas scheint schief gelaufen zu sein.

Edward Hopper, Automat, 1927, Des Moines Art Center

In Eine Frau in der Sonne eine frau steht nackt mit einer zigarette in der hand. Sie hat vergessen, es anzuzünden. Sie scheint sich selbst vergessen zu haben. Sie hat sogar vergessen, sich eine Zigarette anzuzünden. Losgelöst von der Außenwelt wartet sie darauf, dass die Dinge passieren.

Edward Hopper, Eine Frau in der Sonne, 1961, Whitney Museum of Art

Ich kann mir keinen anderen Künstler vorstellen, der so perfekt darin war, Einsamkeit, Resignation und Verzweiflung moderner Menschen einzufangen.


Der unvergleichliche Christus

Vor mehr als 1900 Jahren wurde ein Mensch entgegen den Naturgesetzen geboren. Dieser Mann lebte in Armut und wurde im Dunkeln aufgezogen. Er reiste nicht viel. Nur einmal überquerte er die Grenze des Landes, in dem er lebte, während seiner Kindheit, als er in Ägypten im Exil war.

Er besaß weder Reichtum noch Einfluss, seine Verwandten waren unauffällig und hatten weder eine Ausbildung noch eine formale Ausbildung.

In seiner Kindheit erschreckte er einen König in seiner Kindheit.

Er heilte die Menge ohne Medizin und verlangte keine Gebühren für seine Dienste.

Er hat nie ein Buch geschrieben, und doch konnten nicht alle Bibliotheken der Welt die Bücher halten, die über ihn geschrieben wurden.

Er hat nie ein Lied geschrieben und doch hat Er das Thema für mehr Lieder geliefert als alle Songschreiber zusammen.

Er hat nie ein College gegründet, aber alle Schulen zusammen können sich nicht rühmen, so viele Studenten zu haben.

Er hat nie eine Armee aufgestellt, noch einen Soldaten eingezogen oder eine Waffe abgefeuert, und dennoch hatte kein Führer mehr Freiwillige, die unter Seinem Befehl mehr Rebellen dazu brachten, Waffen zu stapeln und sich zu ergeben, ohne dass ein Schuss abgefeuert wurde.

Er hat nie Psychiatrie praktiziert und doch hat er mehr gebrochene Herzen geheilt als alle Ärzte nah und fern.

Einmal in der Woche hören die Räder des Handels auf, sich zu drehen, und Scharen gehen zu Anbetungsversammlungen, um Ihm Ehrerbietung und Respekt zu erweisen.

Die Namen der stolzen Staatsmänner Griechenlands und Roms sind gekommen und gegangen. Die Namen der früheren Wissenschaftler, Philosophen und Theologen sind gekommen und gegangen, aber der Name dieses Mannes wird immer mehr.

Obwohl sich die Zeit zwischen den Menschen seiner Generation und dem Schauplatz seiner Kreuzigung über 1900 Jahre erstreckt hat, lebt er. Herodes konnte ihn nicht zerstören, und das Grab konnte ihn nicht halten.

Er steht auf dem höchsten Gipfel der himmlischen Herrlichkeit, von Gott verkündet, von Engeln anerkannt, von Heiligen verehrt und von Dämonen gefürchtet als der auferstandene, persönliche Christus, unser Herr und Retter.

Zu dieser Jahreszeit steht der unvergleichliche Christus noch vor vielen Herzenstüren und sucht Einlass. Seine Worte sagten: „Siehe, ich stehe vor der Tür und klopfe an, wenn jemand meine Stimme hört und die Tür öffnet, ich werde zu ihm eintreten und mit ihm und er mit mir zu Abend essen“ (Offenbarung 3,20).

Außerdem „gibt es unter den Menschen keinen anderen Namen unter dem Himmel, durch den wir gerettet werden müssen“.

Der Herr Jesus Christus ist das größte Geschenk, das der Welt je gegeben wurde. Er kann dir gehören. IST ER?

„Glaube an den Herrn Jesus Christus, so wirst du gerettet“ (Apg 16,31).


Karriere

Seine frühe Karriere war von Kämpfen geprägt. Er mietete ein Atelier und machte sich auf die Reise. Das Medium, das er zuerst verwendete, war die Ölmalerei. Sein erstes Ölgemälde malte er 1895 von einem Ruderboot in Rocky Cove.

Nachdem er gezwungen war, seine Fähigkeiten zum Verdienen einzusetzen, nahm er eine Stelle als Illustrator an. Dies war jedoch nicht sein Wunsch, und als Flucht begab er sich auf eine Reise nach Europa. Die Reise, deren Mittelpunkt Paris war, sollte sich als wichtiger Meilenstein in Hoppers Leben erweisen. Da Picasso bereits Meisterwerke malte, war die Bühne für die moderne Kunst bereitet. Obwohl Hopper keine Begegnung mit Picasso hatte, lernte er die moderne Kunst kennen und neigte zur impressionistischen Kunst. Daher nahm er die hellere Palette auf, insbesondere inspiriert von Monet und Van Gogh, und verzichtete auf die dunklen Illustrationen.

Hopper kehrte 1910 von der Europaexpedition zurück. Leider musste er sich um Anerkennung bemühen. Seine Kreationen erhielten wenig Anerkennung. Die wenig Anerkennung erhielt er für Ölmalerei und Radierung. Seinen ersten großen Durchbruch gelang ihm im Alter von 31 Jahren, als er sein Ölgemälde verkaufte. Er hatte gehofft, dass dies zu weiteren Erfolgen führen würde, aber er hatte noch ziemlich viel zu kämpfen.

1912 reiste er nach Gloucester, Massachusetts, und malte sein erstes Außengemälde mit Ölfarbe. Dies wurde genannt Squam-Licht . Dies ging seinen vielen noch kommenden Leuchtturmbildern voraus.

Im Jahr 1913 verdiente er 250 $ mit dem Verkauf seines ersten Selbstporträts namens Segeln . Während dieser Zeit arbeitete er weiter und wurde gelegentlich eingeladen, Ausstellungen an kleinen Orten durchzuführen. Während dieser ganzen Zeit schuf er weiterhin Plakate für Kino und Theater, denen er eine tiefe Verbundenheit empfand. Er schuf Kriegsplakate und erwarb sich damit Anerkennung.

Widerwillig wandte er sich der Illustration zu und arbeitete als Freiberufler, um seinen Lebensunterhalt zu verdienen. Hopper hatte Mühe, seinen eigenen Stil zu definieren und wechselte oft von einer Kunstform zur anderen. Er kehrte zur Radierung zurück, in der er viel Beifall erhalten hatte. In den 1920er Jahren arbeitete er in diesem Medium, und die meisten seiner Werke sind in diesem Kunststil. Diese beinhalten Nacht im El Train , Abendwind, und Catboot .

In dieser Zeit malte er auch einige seiner berühmten Gemälde und erntete einiges Lob. Er wurde eingeladen, eine Einzelausstellung durchzuführen, um seine Werke zu zeigen. Diese Ausstellungen kamen häufiger, und er fand, dass er besser geschätzt wurde.

Das Museum of Modern Art erwarb eines seiner berühmten Gemälde, Haus an der Eisenbahn, 1925. Seine berühmten Gemälde sind das Werk von Eindrücken. Licht- und Farbspiele und scharfe Kanten waren ein hervorstechendes Merkmal. Er hatte endlich angefangen, das Lob zu bekommen, das er verdiente!


Edward Hopper

Geboren in Nyack, New York, Edward Hopper (1882-1967) gilt als einer der größten amerikanischen Künstler des 20. Jahrhunderts. Seine sparsamen und fein kalkulierten Darstellungen von Stadt- und Landszenen spiegelten seine persönliche Vision des modernen amerikanischen Lebens wider.

Von seinen Eltern ermutigt, Illustration zu studieren, belegte Hopper Kurse an der Correspondence School of Illustrating und an der New York School of Art. Bekannter Illustrator/Maler Arthur Ignatius Keller, Frank Vincent DuMond, Kenneth Hayes Miller, und Robert Henri gehörten zu seinen Lehrern. John Sloan, der vor 1916 regelmäßig als Gebrauchsgrafiker arbeitete, hatte ebenfalls einen frühen Einfluss.

1906 bekam Hopper einen Teilzeitjob in einer Werbeagentur und erstellte Bilder für populäre Zeitschriften wie Scribner&rsquos Magazin, Everybody's Magazine, und Land Gentleman, und für Fachzeitschriften wie Hotel Management, Das Morsezifferblatt, und Wells Fargo Messenger. Als sehr privater Mensch hinterließ er keine schriftlichen Reflexionen über seine zwei Jahrzehnte lange Karriere als Illustrator, obwohl er glaubte, dass die reife Entwicklung des Künstlers mit der Arbeit seiner prägenden Jahre verbunden war.

Zwischen 1906 und 1910 unternahm der Künstler drei Reisen nach Paris. Im Gegensatz zu anderen amerikanischen Künstlern dieser Zeit ignorierte Hopper die Innovationen der Avantgarde-Künstler der Stadt und bevorzugte eine frühere Generation europäischer Maler, darunter Rembrandt, Degas und die Impressionisten, deren Arbeit von seinem ehemaligen Lehrer Robert Henri gelobt wurde.

Von realistischer Kunst angezogen, begann Hopper Radierungen zu produzieren und urbane und architektonische Szenen in einer dunklen Palette zu malen. Seine erste Einzelausstellung fand im Januar 1920 im Whitney Studio Club statt, der fünf Jahre zuvor von Gertrude Vanderbilt Whitney gegründet wurde. Im Juli 1924 heiratete Hopper Josephine Verstille Nivison, eine Malerkollegin, die er in der Kunstschule kennengelernt hatte.

Hopper war in den nächsten vier Jahrzehnten sehr produktiv und produzierte so wichtige Werke wie Automat (1927), Chop Suey (1929), New Yorker Film (1939), Girlie-Show (1941), Nachtfalken (1942), Hotellobby (1943), Morgen in einer Stadt (1944), und Hotel bei einer Eisenbahn (1952). Der Einfluss seines unverwechselbaren Stils ist bis heute spürbar und reicht über die Malerei hinaus in Fotografie, Film und Populärkultur.

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Illustrationen von Edward Hopper

Zusätzliche Ressourcen

Literaturverzeichnis

Goodrich, Lloyd. Edward Hopper. New York: Harry N. Abrams, 1970.

Kranzfelder, Ivo. Edward Hopper, 1882-1967: Vision der Realität. New York: Taschen, 1988.

Levin, Gail. Edward Hopper: Eine intime Biografie. New York: Knopf, 1995.

Schmied, Wieland. Edward Hopper: Porträts von Amerika. New York: Prestel, 1995.

Souter, Gerry. Edward Hopper: Hell und Dunkel. New York: Parkstone Press International, 2007.

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      Hopper: Der höchste amerikanische Realist des 20. Jahrhunderts

      Das Malen fiel Edward Hopper nicht leicht. Jede Leinwand stellte eine lange, mürrische Schwangerschaft dar, die in einsamen Gedanken verbracht wurde. Es gab keine schwungvollen Pinselstriche einer fiebrigen Hand, keine elektrisierenden Heurekas. Monatelang überlegte, verwarf und reduzierte er Ideen, bevor er auch nur einen Tropfen Farbe auf seine Palette drückte. Anfang der 1960er-Jahre besuchte der Künstler Raphael Soyer Hopper und seine Frau Josephine in ihrem Sommerhaus auf einer Klippe über dem Meer in Cape Cod. Soyer fand Hopper vorn sitzend und auf die Hügel starrend, und Jo, wie alle sie nannten, hinten, in die entgegengesetzte Richtung starrend. »Das machen wir«, sagte sie zu Soyer. "Er sitzt an seinem Platz und schaut den ganzen Tag auf die Hügel, und ich schaue auf das Meer, und wenn wir uns treffen, gibt es Kontroversen, Kontroversen, Kontroversen." Ausgedrückt mit Jos charakteristischem Blitz (selbst Künstlerin und einst eine aufstrebende Schauspielerin, wusste sie, wie man eine Linie liefert), fasst die Vignette sowohl Hoppers kreativen Prozess als auch die zerstrittene, aber dauerhafte Beziehung des Paares zusammen. In ähnlicher Weise schrieb Hoppers enger Freund, der amerikanische Maler und Kritiker Guy Pé232ne du Bois, dass Hopper „mir erzählte.

      Verwandte Inhalte

      "Der Maler", bemerkte Edward Hopper oft, "malt, um sich durch das zu offenbaren, was er in seinem Motiv sieht." Chop Suey stammt aus dem Jahr 1929. (Sammlung von Barney A. Ebsworth / Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) />Hopper, in seinen 40ern, in einem Selbstporträt von 1925-30. (Whitney Museum of American Art, Josephine N. Hopper Vermächtnis / Fotografie von Robert E. Mates / Mit freundlicher Genehmigung, Museum of Fine Arts, Boston) Die Aquarelle, die Hopper in den 1920er Jahren in Massachusetts schuf, führten zu seiner ersten beruflichen Anerkennung (House and Harbor, 1924). (Privatsammlung / Mit freundlicher Genehmigung, Museum of Fine Arts, Boston) In New York Corner, 1913, führte Hopper ein Motiv aus roten Backsteingebäuden und ein Muster aus geöffneten und geschlossenen Fenstern ein. (Privatsammlung, Courtesy Fraenkel Gallery und Martha Parrish & James Reinish, Inc. / Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) Hopper verwendete sein rotes Backstein-Rhythmikfenster-Motiv In Early Sunday Morning (1930), um ein Gefühl von Vertrautheit und unheimlicher Stille zu erzeugen. (Whitney Museum of American Art / Foto von Steven Sloman / Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) Das faszinierende Night Windows (1928) ist voyeuristisch und mysteriös zugleich, man kann nur erahnen, was die Frau vorhat. (Museum of Modern Art, NY. Geschenk von John Hay Whitney / SCALA / Art Resource / Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) Hopper „bietet Stücke eines unlösbaren Lebens, Momente in einer Erzählung, die keinen Abschluss haben kann“, schrieb der Kunstkritiker Robert Hughes. Hopper malte 1950 Cape Cod Morning, das seinen Gefühlen näher kam als einige andere Werke. (Smithsonian American Art Museum / Art Resource) Nighthawks (1942) (The Art Institute of Chicago / Friends of American Art Collection / Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) Automat (1927) (Des Moines Art Center, Iowa / Michael Tropea, Chicago / Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) Das Mansardendach (1923) (The Brooklyn Museum, New York, Museum Collection Fund / Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) Captain Upton's House (1927) (Sammlung von Steve Martin / Mit freundlicher Genehmigung, Museum of Fine Arts, Boston) Hills, South Truro (1930) (The Cleveland Museum of Art, Hinman B. Hurlbut Collection / Courtesy, Museum of Fine Arts, Boston) Night Shadows (1921) (Museum of Fine Arts, Boston / Geschenk von William Emerson)

      Bei aller vorsichtigen Überlegung schuf Hopper mehr als 800 bekannte Gemälde, Aquarelle und Drucke sowie zahlreiche Zeichnungen und Illustrationen. Die besten von ihnen sind unheimliche Destillationen von Städten in Neuengland und der Architektur von New York City, wobei genaue Zeit und Ort festgehalten werden. Seine nüchternen und doch intimen Interpretationen des amerikanischen Lebens, versunken im Schatten oder in der Sonne brütend, sind minimalistische Dramen mit maximaler Kraft. Hopper hatte die bemerkenswerte Fähigkeit, die gewöhnlichste Szene – sei es an einer Zapfsäule am Straßenrand, einem unscheinbaren Diner oder einem düsteren Hotelzimmer – in intensive Mysterien zu investieren und Geschichten zu schaffen, die kein Zuschauer jemals ganz enträtseln kann. Seine erstarrten und isolierten Figuren wirken oft unbeholfen gezeichnet und posiert, aber er vermied es, sie zu anmutig oder auffällig erscheinen zu lassen, was seiner Meinung nach der von ihm angestrebten Stimmung nicht gerecht würde. Hoppers Treue zu seiner eigenen Vision, die auf den Unvollkommenheiten des Menschen und seinen Anliegen beruhte, machte seine Arbeit zu einem Inbegriff für Ehrlichkeit und emotionale Tiefe. Kritiker Clement Greenberg, der führende Vertreter des Abstrakten Expressionismus, sah das Paradox. Hopper, schrieb er 1946, "ist kein Maler im vollen Sinne, seine Mittel sind gebraucht, schäbig und unpersönlich." Greenberg war jedoch scharfsinnig genug, um hinzuzufügen: "Hopper ist einfach ein schlechter Maler. Aber wenn er ein besserer Maler wäre, wäre er höchstwahrscheinlich kein so überlegener Künstler."

      Hopper war so nachdenklich wie die Menschen, die er auf die Leinwand brachte. Tatsächlich wurde die rätselhafte Qualität der Gemälde durch die öffentliche Person des Künstlers verstärkt. Er war groß und massiv gebaut, mit einer massiven Glatze, erinnerte die Betrachter an ein Stück Granit und war ungefähr genauso auffällig. Er war nicht hilfreich für Journalisten, die nach Details oder Anekdoten suchten. „Die ganze Antwort ist auf der Leinwand“, antwortete er hartnäckig. Aber er sagte auch: "Der Mann ist die Arbeit. Etwas kommt nicht aus dem Nichts." Der Kunsthistoriker Lloyd Goodrich, der sich in den 1920er Jahren für Hopper einsetzte, war der Meinung, dass der Künstler und sein Werk zusammengewachsen sind. "Hopper hatte keinen Smalltalk", schrieb Goodrich. „Er war berühmt für sein monumentales Schweigen, aber wie die Räume in seinen Bildern waren sie nicht leer. Wenn er sprach, waren seine Worte das Produkt langer Meditation. Über die Dinge, die ihn interessierten, insbesondere die Kunst sagen, knapp, aber mit Gewicht und Genauigkeit ausgedrückt und in einem langsamen, widerstrebenden Monoton ausgesprochen."

      An Kontroversen bleibt wenig übrig. Hoppers Stern strahlt schon lange hell. Er ist wohl der überragende amerikanische Realist des 20. Jahrhunderts, der Aspekte unserer Erfahrung so authentisch einfängt, dass wir kaum ein baufälliges Haus in der Nähe einer verlassenen Straße oder einen Schatten über eine Brownstone-Fassade sehen können, außer durch seine Augen. Angesichts des ikonischen Status von Hopper überrascht es, dass seit mehr als 25 Jahren kein umfassender Überblick über sein Werk in amerikanischen Museen außerhalb von New York City zu sehen war. Diese Dürre wurde von "Edward Hopper" behoben, einer Retrospektive, die derzeit bis zum 19. August im Museum of Fine Arts in Boston stattfindet und die in der National Gallery of Art in Washington, DC (16. September 2007 - 21. Januar 2008) fortgesetzt wird ) und das Art Institute of Chicago (16. Februar bis 11. Mai 2008). Die Ausstellung besteht aus mehr als 100 Gemälden, Aquarellen und Druckgrafiken, die meisten von etwa 1925 bis 1950, der Zeit der größten Leistung des Künstlers, und stellt Hoppers überzeugendste Kompositionen vor.

      "Die Betonung liegt auf Kennerschaft, ein altmodischer Begriff, aber wir haben eine strenge Auswahl getroffen", sagt Carol Troyen, Kuratorin für amerikanische Malerei am Museum of Fine Arts, Boston und eine der Organisatoren —zusammen mit Judith Barter vom Art Institute und Franklin Kelly von der National Gallery zur Ausstellung. „Hopper gilt als brillanter Bildschöpfer, aber wir wollten ihn auch als Künstler präsentieren, der sich dem Handwerk der Malerei verschrieben hat und dessen Werk persönlich gesehen werden muss. Seine Kunst ist viel subtiler, als jede Reproduktion vermuten lässt.“

      Edward Hopper wurde am 22. Juli 1882 in Nyack, New York, 25 Meilen nördlich von New York City, in eine Familie englischer, niederländischer, französischer und walisischer Abstammung geboren. Sein Großvater mütterlicherseits baute das Haus, das heute als Wahrzeichen und gemeinschaftliches Kunstzentrum erhalten ist, in dem er und seine zwei Jahre ältere Schwester Marion aufgewachsen sind. Hoppers Vater, Garrett Henry Hopper, war ein Trockenwarenhändler. Seine Mutter, Elizabeth Griffiths Smith Hopper, liebte das Zeichnen, und beide Eltern förderten die künstlerischen Neigungen ihres Sohnes und bewahrten seine frühen Skizzen von sich selbst, seiner Familie und der lokalen Landschaft. Edward, der im Alter von 12 Jahren über 1,80 Meter groß war, wurde von seinen Klassenkameraden gehänselt und bescheiden. Seine Andersartigkeit verstärkte wahrscheinlich einsame Beschäftigungen – er zog es zum Fluss, zum Skizzieren, zum Segeln und zur Malerei. Schon als Kind, erinnert sich Hopper, habe er bemerkt, "dass das Licht im oberen Teil eines Hauses anders war als im unteren Teil. Es gibt eine Art Hochgefühl über das Sonnenlicht im oberen Teil eines Hauses."

      Obwohl Hoppers Eltern die Begabung ihres Sohnes erkannten und ihn Kunst studieren ließen, waren sie klug genug, von ihm eine Spezialisierung auf Illustration zu verlangen, um seinen Lebensunterhalt zu verdienen. Nach dem Abschluss der High School im Jahr 1899 schrieb sich Hopper an einer kommerziellen Kunstschule in New York City ein und blieb dort etwa ein Jahr, bevor er an die New York School of Art wechselte, die 1896 vom amerikanischen Impressionisten William Merritt Chase gegründet wurde. Hopper studierte weiterhin Illustration, lernte aber auch das Malen von den einflussreichsten Lehrern seiner Zeit, darunter Chase, Robert Henri und Kenneth Hayes Miller. Sowohl Chase als auch Henri waren von Frans Hals, Velázquez und dem französischen Impressionismus beeinflusst worden, insbesondere am Beispiel von Édouard Manet. Henri ermutigte seine Studenten, sich von müden akademischen Formeln zu emanzipieren, indem er einen Realismus vertrat, der sich als Thema in die nüchterneren Aspekte amerikanischer Städte stürzte. Als erfolgreicher Künstler hatte Hopper im Rückblick Vorbehalte gegenüber Henri als Maler, aber er räumte immer ein, dass sein Lehrer ein energischer Verfechter einer aufgeklärten Sichtweise war. Inspiriert von Henris Motivation blieb der jugendliche Hopper sechs Jahre an der Schule, zeichnete aus dem Leben und malte Porträts und Genreszenen. Um seinen Lebensunterhalt zu verdienen, unterrichtete er dort Kunst und arbeitete auch als Gebrauchsgrafiker. Hopper und sein Freund Rockwell Kent waren beide in Millers Klasse, und einige ihrer frühen Debatten drehten sich um malerische Probleme, die für Hopper nach wie vor von größter Faszination blieben. „Ich war schon immer fasziniert von einem leeren Raum“, erinnerte er sich. "Als wir in der Schule waren. [wir] diskutierten, wie ein Raum aussah, wenn niemand ihn sehen konnte, sogar niemand hineinschaute." In einem leeren Raum könnte Abwesenheit Präsenz suggerieren. Diese Idee beschäftigte Hopper sein ganzes Leben lang, von seinen 20ern bis zu seinen letzten Lebensjahren, wie in Zimmer am Meer und Sonne im leeren Raum, zwei majestätische Bilder aus den 50er und 60er Jahren.

      Ein weiterer wesentlicher Bestandteil der Ausbildung eines angehenden Künstlers war der Auslandsaufenthalt. Hopper sparte durch seine kaufmännischen Aufträge zwischen 1906 und 1910 drei Reisen nach Europa. Er lebte hauptsächlich in Paris und schwärmte in Briefen nach Hause von der Schönheit der Stadt und dem Kunstverständnis der Bürger.

      Trotz Hoppers Freude an der französischen Hauptstadt registrierte er wenig von der Innovation oder Gärung, die andere ansässige amerikanische Künstler beschäftigte. Zum Zeitpunkt von Hoppers erstem Paris-Besuch hatten die Fauves und die Expressionisten bereits ihr Debüt gegeben, und Picasso bewegte sich in Richtung Kubismus. Hopper sah denkwürdige Retrospektiven von Courbet, den er bewunderte, und Cézanne, über die er sich beschwerte. "Viele Cézannes sind sehr dünn", sagte er später dem Schriftsteller und Künstler Brian O'Doherty. "Sie haben kein Gewicht." Hoppers eigene Pariser Bilder ließen jedenfalls erahnen, welcher Maler er werden sollte. Dort legte er die Porträtstudien und die dunkle Palette der Henri-Jahre beiseite, um sich auf die Architektur zu konzentrieren und Brücken und Gebäude im sanften französischen Licht zu zeigen.

      Nach seiner Rückkehr in die Vereinigten Staaten im Jahr 1910 besuchte Hopper Europa nie wieder. Er war fest entschlossen, sich als Amerikaner zurechtzufinden, und ein Übergang zu einem individuelleren Stil ist in New Yorker Ecke, gemalt 1913. Auf dieser Leinwand führt er das Motiv roter Backsteinbauten und die rhythmische Fuge der geöffneten und geschlossenen Fenster ein, die er Ende der 1920er Jahre mit Die Stadt von der Williamsburg Bridge und Früher Sonntagmorgen. Aber New York Corner ist eine Übergangszeit, das Wetter ist eher neblig als sonnig, und eine Menge versammelt sich ungewöhnlich vor einer Veranda. Als er Jahre später gefragt wurde, was er von einer 1964er Ausstellung mit Werken des Künstlers Reginald Marsh halte, antwortete der Meister der schwangeren, leeren Räume: "Er hat mehr Menschen auf einem Bild als ich in allen meinen Bildern."

      In December 1913, Hopper moved from Midtown to Greenwich Village, where he rented a high-ceilinged, top-floor apartment at 3 Washington Square North, a brick town house overlooking the storied square. The combined living and work space was heated by a potbellied stove, the bathroom was in the hall, and Hopper had to climb four flights of stairs to fetch coal for the stove or pick up the paper. But it suited him perfectly.

      Hopper sold one painting in 1913 but didn't make another major sale for a decade. To support himself, he continued to illustrate business and trade journals, assignments he mostly detested. In 1915 he took up printmaking as a way to remain engaged as an artist. His etchings and drypoints found greater acceptance than his paintings and at $10 to $20 each, they occasionally sold. Along with the bridges, buildings, trains and elevated railroads that already were familiar elements in his work, the prints feature a bold development: Hopper began portraying women as part of the passing scene and as the focus of male longing. The etching Night on the El Train is a snapshot of a pair of lovers oblivious to everyone else. In Evening Wind, a curvaceous nude climbs onto a bed on whose other side the artist seems to be sitting as he scratches a lovely chiaroscuro moment into a metal plate. In these etchings, New York is a nexus of romantic possibilities, overflowing with fantasies tantalizingly on the brink of fulfillment.

      Between 1923 and 1928, Hopper often spent time during the summer in Gloucester, Massachusetts, a fishing village and art colony on Cape Ann. There he devoted himself to watercolor, a less cumbersome medium that allowed him to work outdoors, painting humble shacks as well as the grand mansions built by merchants and sea captains. The watercolors marked the beginning of Hopper's real professional recognition. He entered six of them in a show at the Brooklyn Museum in November 1923. The museum bought one, The Mansard Roof, a view of an 1873 house that showcases not only the structure's solidity, but the light, air and breeze playing over the building. A year later, Hopper sent a fresh batch of Gloucester watercolors to New York dealer Frank Rehn, whose Fifth Avenue gallery was devoted to prominent American painters. After Rehn mounted a Hopper watercolor show in October 1924 that was a critical and financial smash, the artist quit all commercial work and lived by his art for the rest of his life.

      Hopper's career as a watercolorist had been jump-started by the encouragement of Josephine Verstille Nivison, an artist whom Hopper had first courted in 1923 in Gloucester. The two wed in July 1924. As both were over 40, with established living habits, adjusting to each other took some effort. Their marriage was close—Josephine moved into her husband's Washington Square quarters and did not have a separate work space for many years—and turbulent, for they were physical and temperamental opposites. Towering over her, he was stiff-necked and slow-moving she was small, snappy and birdlike, quick to act and quicker to speak, which some said was constantly. Accounts of Jo Hopper's chattering are legion, but her vivacity and conversational ease must have charmed her future husband, at least initially, for these were traits he lacked. "Sometimes talking with Eddie is just like dropping a stone in a well," Jo quipped, "except that it doesn't thump when it hits bottom." As time passed, he tended to disregard her she resented him. But Hopper probably could not have tolerated a more conventional wife. "Marriage is difficult," Jo told a friend. "But the thing has to be gone through." To which Hopper retorted, "Living with one woman is like living with two or three tigers." Jo kept her husband's art ledgers, guarded against too many guests, put up with his creative dry spells and put her own life on hold when he roused himself into working. She posed for nearly every female figure in his canvases, both for his convenience and her peace of mind. They formed a bond that only Edward's death, at age 84, in 1967 would break. Jo survived him by just ten months, dying 12 days before her 85th birthday.

      Jo Hopper's availability as a model likely spurred her husband toward some of the more contemporary scenes of women and couples that became prominent in his oils of the mid- and late 1920s and gave several of them a Jazz Age edge. In Automat und Chop Suey, smartly clothed independent women, symbols of the flapper era, animate a heady cosmopolitan milieu. Chop Suey had an especially personal meaning for the Hoppers—the scene and the place derive from a Columbus Circle Chinese restaurant where they often ate during their courtship.

      Hopper ignored much of the city's hurly-burly he avoided its tourist attractions and landmarks, including the skyscraper, in favor of the homely chimney pots rising on the roofs of commonplace houses and industrial lofts. He painted a number of New York's bridges, though not the most famous, the Brooklyn Bridge. He reserved his greatest affection for unexceptional 19th- and early 20th-century structures. Echoing his Gloucester watercolors (and decades ahead of the historic preservation movement), he treasured vernacular buildings, drawing satisfaction from things that stayed as they were.

      By the late 1920s, Hopper was in full command of a powerful urban vision. He had completed several extraordinary paintings that seemed almost carved out of the materials they were depicting, brick by brick and rivet by rivet. Manhattan Bridge Loop (1928) and Early Sunday Morning (1930) match the monumental scale of New York itself, whereas Night Windows (1928) acknowledges in an almost cinematic way the strange nonchalance that results from lives lived in such close proximity: even when you think you are alone, you are observed—and accept the fact. The unsettling nature of Night Windows derives from the position of the viewer—directly across from a half-dressed woman's derrière. The painting suggests that Hopper may have affected movies as much as they affected him. When German director Wim Wenders, a Hopper fan, was asked why the artist appeals to so many filmmakers, he said: "You can always tell where the camera is."

      With the creation of such distinctive paintings, Hopper's reputation soared. Two on the Aisle sold in 1927 for $1,500, and Manhattan Bridge Loop brought $2,500 in 1928. That same year, Frank Rehn took in more than $8,000 for Hopper's oils and watercolors, which yielded the artist about $5,300 (more than $64,000 today). In January 1930, House by the Railroad became the first painting by any artist to enter the permanent collection of New York's newly established Museum of Modern Art. Later that year, the Whitney Museum of American Art bought Early Sunday Morning for $2,000 it would become a cornerstone of that new institution's permanent collection. The august Metropolitan Museum of Art purchased Tables for Ladies for $4,500 in 1931, and in November 1933, the Museum of Modern Art gave Hopper a retrospective exhibition, an honor rarely bestowed on living American artists. He was 51.

      Since 1930, the Hoppers had spent summer vacations in South Truro, Massachusetts, near the tip of Cape Cod. A small town situated between Wellfleet and Provincetown, Truro had kept its local character. In 1933 Jo received an inheritance, which the couple used to build a house there it was completed the next year. The Hoppers would spend nearly every summer and early autumn in Truro for the remainder of their lives.

      By the end of the 1930s, Hopper had changed his working methods. More and more, instead of painting outside, he stayed in his studio and relied on synthesizing remembered images. He pieced together Cape Cod Evening (1939) from sketches and recollected impressions of the Truro vicinity—a nearby grove of locust trees, the doorway of a house miles away, figures done from imagination, dry grass growing outside his studio. In the painting, a man and woman seem separated by their own introspection. Hopper's "equivocal human figures engaged in uncertain relationships mark his paintings as modern" as strongly as his gas pumps and telephone poles, writes art historian Ellen E. Roberts in the current show's catalog.

      The notions of disconnection and inaccessiblity are most fully realized in Nighthawks (1942), Hopper's most famous painting. Wie Mona Lisa oder Whistler's Mother oder American Gothic, it has taken on a life of its own in popular culture, with its film-noir sensibility sparking scores of parodies. The figures, customers at a late-night eatery, flooded by an eerie greenish light, look like specimens preserved in a jar. Hopper has banished every superfluous detail: the huge plate-glass window is seamless, and there is no visible entrance to the restaurant. Like characters in a crime movie or existential novel, the figures seem trapped in a world that offers no escape.

      As Hopper aged, he found it increasingly difficult to work, and as his output decreased in the late 1940s, some critics labeled him as passé. But younger artists knew better. Richard Diebenkorn, Ed Ruscha, George Segal, Roy Lichtenstein and Eric Fischl appropriated Hopper's world and made it their own. Eight decades after his most evocative canvases were painted, those silent spaces and uneasy encounters still touch us where we are most vulnerable. Edward Hopper, matchless at capturing the play of light, continues to cast a very long shadow.

      Avis Berman is the author of Edward Hopper's New York and the editor of My Love Affair with Modern Art: Behind the Scenes with a Legendary Curator by Katharine Kuh (2006).


      Moonlight Etchings of the Forgotten Artist who Taught Edward Hopper

      Martin Lewis died in obscurity in 1962 a retired art teacher who had found some success in his early career, but was largely forgotten after the Great Depression took away the demand for his craft, leaving Lewis to spend his last three decades teaching other people how to etch. History chose Edward Hopper, but Martin Lewis was his mentor.

      “After I took up my etching, my painting seemed to crystallise,” Hopper is quoted in his biography. It was Martin Lewis, an Australian emigré who had moved to New York in 1909, that helped Edward learn the basics of etching. The two became good friends on the artists circuit where eachothers’ work was presented to the public at various art clubs and small exhibitions.

      Lewis had taken up printmaking by 1915 and was using the etching press to produce prints which became widely admired and collected by the East coast elite. While making a name for themselves in New York City, Hopper asked his friend if he could study alongside him to learn his techniques, making Lewis his mentor for a brief while. As his student, Hopper learned the finer points of etching and both artists used the great American metropolis at night as their muse.

      Years later, when Hopper was preparing for a one-man show in Pittsburgh at the height of his career, he rejected the notion that Lewis’s work had influenced his own or that he had studied “under Lewis” as implied by the exhibit’s biographical essay. “Lewis is an old friend of mine,” he countered. “When I decided to etch, he, who had already done some, was glad to give me some tips, on the purely mechanical processes, grounding the plates, printing etc”. By this time, the two artists were no longer friends however. According to Edward’s wife Josephine, Lewis and his wife Lucille had given the Hoppers up, “quite understandably. It had been too much of a blow to have E.H so successful.”

      Nearly 50 years after his death, Lewis’s print, Shadow Dance (pictured above), sold for $50,400 at an auction in New York, setting a record price for the artist at auction. He had found a renewed, posthumous appreciation in the new millennium, whereas decades earlier, auction houses couldn’t sell off his prints at all and entire lots failed to reach their reserve price.

      Much of his work may yet to be discovered. In 1920s, he was supported and collected by numerous etching societies and museums, but so many works are now held privately, out of public view. We would love to see more, wouldn’t you?

      Prints for sale can be found on The Old Print Shop.


      Edward Hopper - History

      In comparison with the contemporary Dutch American painters, De Kooning and Mondrian, Hopper’s paintings are realistic, and immediately evoke a sense of identification, at least for many of us. Hopper’s work was initially focused on cityscapes, but later he ventured out in the countryside and produced a number of interesting pictures based on small town life.

      Hopper’s best and best-known painting is entitled, “Nighthawks”. The painting shows a few people sitting on counter stools at the counter of a diner style restaurant. It is obviously well after midnight based on the eerily dark and quiet street. The diner is brightly lit and stands apart from the quiet but dark street, from where the artist viewed the people in the diner. Although, to this author, some of his other paintings are also outstanding, the “Nighthawks” painting is viewed as Hopper’s best and best known.

      Edward Hopper was raised in early Dutch Hudson River country. He was born in the small Hudson River town of Nyack, New York. It is reported that his ancestors were of English, Dutch and Welsh backgrounds. Hopper showed an aptitude for art early in his life, and told his parents that he wanted to become an artist, and wanted to attend an art institute. His parents being practical, and probably realistic, urged him to learn illustration, so that he at least would be able to support himself and his family, after he grew up. Following high school, he enrolled at the Corresponding School of Illustrating in New York City. Although it was apparently a correspondence school, Hopper attended the school in person, commuting daily from Nyack to the school in New York City by train.

      After spending one year at the Illustration School, he switched to the New York School of Art, also referred to as the Chase School, because the school was founded by William Merritt Chase [1849-1916], a reasonably well known American artist. While at the school, Hopper worked with Robert Henri [1869-1929], and it was Henri who gave direction to Hopper’s development as an artist. Hopper’s contemporaries at the School were such later luminaries as George Bellows and Rockwell Kent. Hopper remained at the School for several years, supporting himself with teaching, and working as an illustrator. While at the school he also learned much from his teachers and contemporaries. Along the way he even managed to travel to Europe several times to view the artistic developments, then going on in Europe, and notably in Paris. Although he admired what the impressionists were doing, he was not sufficiently impressed to follow their style of painting. He started out as a realist, and remained a realist, as an artist, for the remainder of his life.

      It was not until 1913, when he was 31 years old, that Hopper exhibited at the Armory Show, and sold his first painting. Even after that first success, Hopper’s work did not gain acceptance by the critics and art buyers until 10 years later. In 1923, at age 41, Hopper sold his second painting, a watercolor, painted with a medium that he had switched to then. The title of that work was “The Mansard Roof”. In the following year Hopper exhibited a group of watercolors at a New York City gallery, and every painting he exhibited was sold. A subsequent gallery exhibit, this time a solo exhibit at the Rehn Gallery in New York City, also sold out. This was the time Hopper clearly had arrived as a painter, and as an artist.

      In 1924, with his reputation as a painter solidly established, he settled in Greenwich Village, where he remained for the rest of his life, as a full time and well-established painter. In 1925, he renewed his friendship with a former student from the Art Institute. Her name was Jo Nevison. They got married the same year, in 1925, when Nevison was 40 and Hopper was 42 years old.

      In 1925, Hopper painted what is also considered one of his major pictures, entitled, “The House by the Railroad”. In 1929, Hopper was included in a major exhibition at the Museum of Modern Art in New York City. The exhibition was named, “Paintings by Nineteen Living Americans”. The following year, in 1930, Hopper’s, “The House by the Railroad” entered the permanent collection of the Museum of Modern Art. Also in 1930, the Whitney Museum of American Art purchased Hopper’s painting entitled, “Early Sunday Morning”. In 1933, Hopper was given a retrospective exhibition at the Museum of Modern Art, and it 1950, the Whitney Museum of American Art gave Hopper a more extensive retrospective exhibition.

      Based on the above, Hopper clearly had become one of the major American graphic artists of the twentieth century. His life can best be described by the following quote from Lloyd Goodrich, shown in the paragraph below.

      “No artist has painted a more revealing portrait of twentieth century America. But he was not merely an objective realist. His art was charged with strong personal emotion, with a deep attachment to our familiar everyday world, in all its ugliness, banality, and beauty”.

      Edward Hopper was born in Nyack, New York, on July 22, 1882. He married Jo Nevison in 1925. So far as is known the couple had no children. Hopper passed away in New York City on May 15, 1967, at the age of 84 years. He bequeathed his art remaining in his possession to the Whitney Museum of American Art, in New York City, upon his death.

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      Edward Hopper

      Realist painter who studied with Robert Henri and Kenneth Hayes Miller at the New York School of Art. One of the country’s most honored artists, Hopper was internationally acclaimed in his lifetime and was elected to both the National Institute of Arts and Letters ( 1945 ) and the American Academy of Arts and Letters ( 1955 ). He poetically painted the isolation and detachment of modern life Nighthawks ( 1942 ) is arguably his best-known composition.

      Joan Stahl American Artists in Photographic Portraits from the Peter A. Juley & Son Collection (Washington, D.C. and Mineola, New York: National Museum of American Art and Dover Publications, Inc., 1995 )

      A quintessential American realist, Hopper painted a repertoire of subjects ranging from the lighthouses and Victorian manses of the New England coast to the movie houses, offices, cafeterias, and highways of New York City. Hopper was associated with the Ash Can artists early in his career he studied with Robert Henri at the New York School of Art from 1900 to 1906 and greatly admired John Sloan’s etchings of New York City. In the 1920 s he achieved recognition with his architectural paintings in which light is used dramatically to characterize his subjects. Whether depicting daylight scenes or nocturnal environments, his paintings have an introspective, contemplative aura that is enhanced by his frequent use of solitary figures set against blank walls. Mood was as important to Hopper as subject, as the statement he wrote for the catalogue of his 1933 retrospective at the Museum of Modern Art makes clear: ​ “ My aim in painting has always been the most exact transcription possible of my most intimate impressions of nature.”

      Virginia M. Mecklenburg Modern American Realism: The Sara Roby Foundation Collection (Washington, D.C.: Smithsonian Institution Press for the National Museum of American Art, 1987 )

      Edward Hopper started his career as an illustrator, but soon switched to painting and studied with the artist Robert Henri at the New York School of Art. He made three trips to Paris between 1906 and 1910 , where he stayed with a French family and painted scenes of the city. Back in the United States , he resumed his commercial work, creating engravings and illustrations of everyday American life. These proved such a success that he was encouraged to return to easel painting, and by 1927 he had established himself with an exhibition in New York City . Hopper painted characteristic American subjects, from movie theaters and restaurants to New England lighthouses. His images capture dramatic areas of light and shadow and often evoke a strong sense of isolation and loneliness, even when there is more than one figure portrayed.

      Edward Hopper: The Watercolors

      In the 1920s, inspired perhaps by the particular light and quality of Gloucester, Massachusetts, Edward Hopper began painting watercolors. He has been celebrated since then as one of the most eloquent of America’s realists.

      Crosscurrents: Modern Art from the Sam Rose and Julie Walters Collection

      In eighty-eight striking paintings and sculptures, Crosscurrents captures modernism as it moved from early abstractions by O’Keeffe, to Picasso and Pollock in midcentury, to pop riffs on contemporary culture by Roy Lichtenstein, Wayne Thiebaud, and Tom Wesselmann—all illustrating the com

      Graphic Masters: Highlights from the Smithsonian American Art Museum

      Graphic Masters celebrates the extraordinary variety and accomplishment of American artists’ works on paper.


      About the Author Amanda Hadley

      Amanda graduated from the University of Kansas, where she studied English literature and got a masters degree in library sciences. She enjoys reading, cooking and playing with her nephews. Her best friend is her little dog Brady.

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      Edward Hopper - Biography and Legacy

      Edward Hopper was born into a comfortable, middle-class family in Nyack, New York, in 1882. His parents introduced Edward, and his older sister Marion, to the arts early in life they attended the theatre, concerts and other cultural events, and visited museums. His father owned a dry goods store where Hopper sometimes worked as a teen. Hopper described him as "an incipient intellectual. less at home with his books of accounts than with Montaigne's essays." Both his parents were supportive of his artistic inclinations.

      As a boy, Hopper was quiet and reserved. He was over six feet tall by his early teens, had few friends, and spent much of his time alone with his books and art. His home in Nyack stood on a hill overlooking the Hudson River, just north of New York City. At the time Nyack was a vibrant hub of transit and industry. There was an active train station, three shipbuilding companies, a port for steamboats, and the cross-Hudson ferry. Young Edward spent his days by the river, sketchpad in hand, observing and drawing the rigging and building of boats. This early period is documented in numerous drawings of boats and ships as well as several handmade wooden model boats. As a teen he built a full-sized catboat and briefly considered pursuing a career in naval architecture. The seriousness with which the artist approached his artistic ambitions had already revealed itself by age 10 when he began to sign and date his drawings.

      Early Period

      After graduating high school in 1899, Hopper's parents encouraged him to study commercial illustration instead of fine art. Accordingly, he spent a year at the New York School of Illustration in Manhattan before transferring to the more serious New York School of Art to realize his dream. His teachers there included the American Impressionist William Merritt Chase (who founded the school) and Robert Henri, a leading figure of the Ashcan school, whose proponents advocated depicting the grittier side of urban life. Hopper's classmates at the school included George Bellows, Guy Pene du Bois, and Rockwell Kent.

      In 1905, Hopper began working as an illustrator for a New York City advertising agency but never really liked illustrating and longed for the freedom to paint from his imagination. Unfortunately, success was slow in coming and he was forced to earn his living as an illustrator for nearly 20 more years until his painting career took off.

      Hopper travelled to Europe three times between 1906 and 1910, enjoying two extended stays in Paris. The influence of the Impressionists led him to the streets to draw and paint en plein air, or, as Hopper described it, "from the fact." Years later he would call his work from this period, a form of "modified impressionism." He was especially attracted to Édouard Manet and Edgar Degas's unusual compositional arrangements in their depictions of modern urban life. During a visit to Amsterdam, Hopper also admired Rembrandt's Nightwatch, which called "the most wonderful thing of his I have seen, it's past belief in its reality - it almost amounts to deception."

      After returning from his final trip abroad in 1910, Hopper moved permanently to New York City and, in 1913, settled at 3 Washington Square North. This would be his home and studio for the rest of his life. That same year he sold his first painting, Sailing (1911), for $250 at the Armory show in New York. Though he never stopped painting, it would be 11 years before he sold another painting. During that time he continued to earn his living illustrating and, in 1915, he took up printmaking, producing some 70 etchings and dry points over the next decade. Like the paintings for which he would later become renowned, Hopper's etchings embody a sense alienation and melancholy. One of his better known etchings, Night Shadows (1921) features the birds'-eye viewpoint, the dramatic use of light and shadow, and the air of mystery which would serve as inspiration for many film noir movies of the 1940s. Hopper continued to receive great acclaim for his etchings over the years and considered them an essential part of his artistic development. As he wrote, "After I took up etching, my painting seemed to crystallize."

      Mature Period

      In 1923, Hopper visited Gloucester, Massachusetts. There he became reacquainted with Josephine (Jo) Nivison, whom he had met years earlier as an art student of Robert Henri. He worked in watercolor that summer and it was Jo who encouraged him later that year to join her in participating in a show at the Brooklyn Museum. He exhibited six watercolors there, including The Mansard Roof (1923), which the museum purchased for $100.

      In 1924, Hopper married Jo. From that time on she became his primary model and most ardent supporter. In that same year he had a solo exhibition of watercolors at the Frank K. M. Rehn Gallery in New York. The show sold out and the Rehn Gallery continued to represent him for the rest of his life. This success enabled Hopper to finally give up illustrating.

      Over the next several years, Hopper's painting style matured and his signature iconography emerged--from isolated figures in public or private interiors, to sun-soaked architecture, silent streets, and coastal scenes with lighthouses. In 1930, House by the Railroad (1925) became the first painting accessioned to the permanent collection of the newly founded Museum of Modern Art. The early 1930s were, indeed, a period of great success for Hopper, with sales to major museums and in 1933, a retrospective at the Museum of Modern Art.

      Despite his commercial success, Hopper and Jo lived a frugal lifestyle, only allowing themselves the indulgence of attending theatre and films. Hopper particularly loved going to movies. His first documented visit to one was in Paris in 1909. As he explained, "When I don't feel in the mood for painting, I go to the movies for a week or more. I go on a regular movie binge."

      Early in their marriage the Hoppers spent summers painting in New England, mostly Gloucester and coastal Maine. They also travelled across the country and to Mexico, where they painted watercolors side by side. From 1934, they began spending summers at the house and studio Hopper designed for them in South Truro, Cape Cod in Massachusetts.

      Late Period

      Hopper continued to be productive during the war years and remained unperturbed by the potential threats following the attack on Pearl Harbor. It was precisely during this period that he worked on his most well known painting, Nighthawks (1942). Through the 1950s and early 1960s, Hopper continued to see acclaim and success, despite the arrival of Abstract Expressionism, Pop, and Minimalism to the New York art scene. The universal appeal of his subjects continued to find an avid audience.

      Hopper was not a prolific painter. He often found it hard to settle on a subject to paint and then spent a great deal of time working out the details of the composition through numerous studies. By the end of his life he averaged just two oils a year. Hopper died on May 15, 1967 and Jo Hopper died just 10 months later, bequeathing their artistic estate to the Whitney Museum of American Art. Hopper is buried, along with Jo, his sister and his parents, in Nyack's Oak Hill Cemetery.

      The Legacy of Edward Hopper

      Hopper has inspired countless painters, photographers, filmmakers, set designers, dancers, writers, and musicians and the term "Hopperesque" is now widely used to connote images reminiscent of Hopper's moods and subjects. In the visual arts, Hopper's influence has touched artists in a range of media including Mark Rothko, George Segal, Banksy, Ed Ruscha, and Tony Oursler . The painter Eric Fischl remarked, "You can tell how great an artist is by how long it takes you to get through his territory. I'm still in the territory that he opened up." Richard Diebenkorn recalled the importance of Hopper's influence on his work when he was a student stating, "I embraced Hopper completely . It was his use of light and shade and the atmosphere . kind of drenched, saturated with mood, and its kind of austerity . It was the kind of work that just seemed made for me. I looked at it and it was mine." In the exhibition and catalogue, Edward Hopper & Company: Hopper's Influence on Photography (2009), Jeffrey Fraenkel examines how Edward Hopper inspired a whole school of photographers including Robert Adams, Diane Arbus, Harry Callahan, William Eggleston, Walker Evans, Robert Frank, Lee Friedlander, and Stephen Shore. Fraenkel writes, "More than almost any American artist, Hopper has had a pervasive impact on the way we see the world--so pervasive as to be almost invisible."

      Hopper has had no less of an impact on cinema. Generations of filmmakers have drawn inspiration from Hopper's dramatic viewpoints, lighting, and overall moods, among them, Sam Mendes, David Lynch, Robert Siodmak, Orson Welles, Wim Wenders, and Billy Wilder. His painting, House by the Railroad (1925) inspired Alfred Hitchcock's house in Psycho (1960) as well as that in Terrence Malick's Days of Heaven (1978).

      Hopper's open-ended narratives have also appealed to writers and musicians. Tom Waits titled an album Nighthawks at the Diner and Madonna named a concert tour after the painting Girlie Show (1941). Joyce Carol Oates refers directly to Hopper in her poem, Edward Hopper's Nighthawks 1942. Many others have created whole collections of stories or poems using Hopper paintings as starting points. Hopper's Nighthawks has been appropriated and used hundreds of times in all forms of media within popular culture. An image of the painting or a facsimile of it can be found in an episode of the Simpsons, as the backdrop for a Peeps marshmallows ad, or featuring Marilyn Monroe and James Dean (in Gottfried Helnwein's Boulevard of Broken Dreams (1984)), morphed into a Starbucks, a space station, and in a variety of cartoons in Der New Yorker.

      The artist and writer Victor Burgin properly summed up Hopper's pervasive impact when he said, "We need not look for Hopper in order to find him. We may encounter him by chance at random places where his world intersects our own. We might ask whether or not this photograph by the American documentary photographer Larry Sultan was taken with Edward Hopper's paintings consciously in mind. But the question is irrelevant. To know Hopper's work is to be predisposed to see the world in his terms, consciously or not."


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